Chris Lavis y Maciek Szczerbowski analizan ‘La chica que lloró perlas’

Una inquietante historia de un adolescente canalla que antepone la riqueza al amor, el preseleccionado al Oscar “La chica que lloró las perlas” también pesa como el último corto animado de ambos Junta Nacional de Cine de Canadá y guionistas-directores Chris Lavis y Maciek Szczerbowski que se postula justamente para una nominación al Premio de la Academia este mes.

‘The Girl Who Cried Pearls’ ya es uno de los cinco títulos que obtuvieron una nominación a la 53ª edición de los premios Annie en su categoría de mejor cortometraje, según se anunció el lunes.

Una nominación al Oscar sería la segunda para Lavis y Szczerbowski después de la notable “Madame Tutli-Putli” (2007) y la 39ª del National Film Board para un corto animado. La NFB se ubica como la tercera entidad más nominada en esa categoría después de Disney y MGM, como señaló la presidenta de la NFB, Suzanne Guèvremont. Variedad justo antes del Festival de Animación de Annecy de 2025.

Con fuerza emocional pero también una fábula sobre la avaricia, ten cuidado con lo que deseas, “La chica que lloró perlas” es a la vez una oda a la artesanía de los títeres stop-motion y una combinación innovadora de títeres táctiles con innovación digital, reafirmando el estatus de Lavis y Szczerbowski como pioneros de la animación contemporánea. Variedad ha observado.

“La chica que lloró perlas” comienza en París con la cámara acercándose sigilosamente a una mansión de mármol blanco en una calle arbolada con vista a la Torre Eiffel, el epítome del éxito burgués. La nieta de su dueño, un anciano grillo, descubre una perla en un recipiente rojo con forma de manzana. «De todos los tesoros que hay en toda la habitación, has adivinado cuál es el más preciado para mí. Parece que alguien ha descubierto mi secreto», confiesa su abuelo, de buena gana.

Empujado por su nieta a revelar cuál es el secreto, cuenta la historia de cuando era un niño sin hogar de la calle en Montreal a principios del siglo XX que espía a una joven cuyas lágrimas se transforman en pequeñas perlas iridiscentes. Él se enamora de ella, dice, pero también consigue dos perlas que vende a un prestamista y se propone hacer llorar más a la niña, rompiéndole el corazón.

A lo largo de su carrera, Lavis y Szczerbowski han bebido profundamente del pozo del surrealismo, el movimiento artístico que inspiró muchos de los logros del siglo XX y que se propuso denunciar la racionalidad y el sentido de propiedad de las clases medias, estimulando el funcionamiento del inconsciente, el azar y la falta de control creativo.

“Madame Tutli-Putli”, la película de 2008 Premios de la Academia contendiente que llamó la atención de Lavis y Szczerbowski, se desarrolla, por ejemplo, como el sueño febril de una flapper burguesa de los años 1920 que soñó muchas décadas después. La narrativa imagina a su yo más joven sin un hogar y luego en un tren donde la lógica es reemplazada por el azar mientras enfrenta sus miedos más profundos: el sexo, el robo, la impotencia, la muerte de otros (el tren tiene un vagón comedor parecido a una morgue) y la inevitabilidad de la extinción (se imagina una polilla atraída hacia la luz al final de la película). O esa al menos podría ser una interpretación.

Un artículo muy útil en el blog de la Junta Nacional de Cine de Canadá cita a Lavis y Szczerbowski sobre cómo su animación en “La chica que lloró perlas” fue moldeada por un feliz accidente. Un ejemplo de ello: la maqueta original de la decrépita casa donde el joven se protege del frío invernal se dejó secar fuera del estudio. Pero una lluvia inesperada golpeó y cuando Lavis y Szczerbowski regresaron, el puntal estaba deformado.

«Se veía mucho mejor de esa manera, así que incorporamos las deformaciones en el modelo final», dicen.

Eso recuerda una anécdota sobre cómo el gran surrealista Luis Buñuel estaba sentado en el bar Chicote de Madrid bebiendo martinis secos tratando de idear cómo podía elegir a Ángela Molina como la supuesta mujer fatal de “El oscuro objeto del deseo” cuando ya tenía a Carole Bouquet bajo contrato. Buñuel se dio cuenta de que la película funcionaría mucho mejor si ambos tuvieran el mismo papel.

“The Girl Who Cried Pearls” enmarca una historia dentro de la historia de la película, ambientada en parte quizás 70 años después, cuyos tramos finales no se pueden describir sin revelar múltiples spoilers. Sin embargo, es seguro decir que añaden múltiples niveles de riqueza narrativa y refuerzan la presciencia social de la película en épocas pasadas y presentes de codicia desenfrenada.

El corto de 17 minutos también es arte de animación del más alto nivel, visto en los extraordinarios detalles de una casa de empeño, lo que le otorga una autenticidad inmersiva. En el pasado, las cabezas de los títeres eran moldes de silicona con varias capas pintadas al óleo para que parecieran madera envejecida. La película utiliza animación con plastilina e impresión 3D de plástico y se frota con pintura esparcida sobre bolsas de basura para que parezcan muy desgastadas.

Variedad habló con Lavis y Maciek Szczerbowski sobre “La chica que lloró perlas”, que, producido por el National Film Board, fue uno de los cinco cortometrajes que inauguraron el Festival de Annecy 2025.

También ganó el Premio Short Cuts al mejor cortometraje canadiense en el Festival de Toronto y el Premio del Canadian Film Institute a la mejor animación canadiense en el Festival Internacional de Animación de Ottawa, el segundo festival de animación más importante del mundo.

En una conversación con tu compositor Patrick Watson y tu directora artística Brigitte Henry sobre la realización de “La chica que lloró perlas”, Maciek dices que “sin la historia adecuada, no hay valor” en nada más. El abuelo dice lo mismo hacia el final de la película. Sospecho que aquí, como en toda la película, una clave fue el largo tiempo que dedicaste a hacerla, lo que tal vez te permitió evolucionar todo, incluida la historia, más de lo que es tradicional en la animación.

Maciek Szczerbowski: Esta fue nuestra primera historia completamente dependiente de la historia. Bromeamos diciendo que normalmente hacemos películas experimentales y esta vez el experimento fue hacer algo tradicional. En su mayor parte, hemos estado explorando los mundos de la lógica de los sueños y los accidentes dadaístas que crean historias de una manera simbólica que intentamos curar y controlar. Aquí el truco consistía en contar una historia muy específica y concisa. Si no comprende los dos o tres momentos cruciales, probablemente no signifique nada. El resultado fue casi como contar un chiste: el momento adecuado. Buena entrega.

¿Podría darnos un ejemplo temprano de un momento crucial?

Szczerbowski: Sólo una simple línea que casi se pierde, que el niño cuenta sobre cómo pasaba sus días en el antiguo puerto de Montreal, cómo robaba cajas que se habían caído de los barcos.

Chris Lavis: Tienes toda la razón acerca de cómo evolucionó la historia a medida que trabajábamos en ella. Ese es un elemento crucial para el proceso. Habíamos animado y editado la película y vimos una primera versión y no funcionó. No fue virtuoso en ninguna escala. Estaba tartamudeando. No tenía una estructura adecuada. Fue confuso. Sucedieron dos cosas. Nuestro compositor, Patrick Watson, sugirió que necesitaba que la película pasara más tiempo en el pasado, sin retroceder al presente, para poder construir la música correctamente.

¿Y el segundo?

Lavado: No parecía que el abuelo estuviera contando una historia. Los personajes simplemente hablaban diálogos con la voz del abuelo. Lo que hicimos (tal vez el truco más antiguo de los cineastas después de esa primera edición infernal) fue volver al primer impulso: el tratamiento original que le dimos a la Junta Nacional de Cine de Canadá. Lo habíamos escrito como una historia corta. Esos pequeños puentes narrativos que faltaban en el diálogo del abuelo estaban ahí en el tratamiento original. Cuando los volvimos a incluir en la película, ¡fue como Eureka! De repente, la película tuvo estructura y forma.

Lo que se conecta con el comentario del abuelo de que “siempre es la historia la que da valor a algo” y es la historia de una niña cuyas lágrimas se convierten en perlas es lo que más llama la atención de los espectadores de la película….

Lavado: La historia tiene dos pilares. Primero, estábamos realmente interesados ​​en esta idea del abuelo, siendo extremadamente rico y poderoso, al final de su vida, descubriendo a su nieta robando algo de su oficina y contándole su secreto más oscuro. El segundo pilar es la idea de que contar historias en sí crea creencia y valor.

Szczerbowski: En muchos sentidos, es un comentario sobre lo que hacen personas como nosotros o los escritores. Estás sacando valor de la nada al inventar una narrativa, al construir una mitología en torno a un objeto que de otro modo podría haber perdido todo valor y al convertirlo en algo que podría terminar en un museo o no tener precio.

La narración de historias se remonta a los albores de la humanidad. De hecho, se podría decir que “La niña que lloró perlas” es en algunos aspectos tradicionalista y en otros, altamente innovadora, como Variedad Toma nota de su trabajo en general. Hacer la película a menudo consistía en utilizar lo nuevo o hacer que lo nuevo pareciera viejo…

Szczerbowski: Queríamos que la historia pareciera encontrada en una caja de hace 50 años. Ese es el objetivo de ese proceso de envejecer y usar bolsas de basura y pintura. La pintura al óleo sirve para sacar al autor del proceso de alguna manera. Especialmente cuando estás creando una fábula, no quieres que se sienta como si un par de tipos estuvieran sentados inventando una fábula. Debería sentirse como si viniera del inconsciente colectivo.

Un artículo muy útil en el blog del National Film Board le cita sobre cómo su animación fue moldeada por un feliz accidente. Un ejemplo: cómo incorporaste la versión deformada y empapada por la lluvia de tu maqueta original en el modelo final.

Lavado: Llamamos al azar un colaborador invisible.

Szczerbowski: Supongo que esto es parte de nuestra educación. En algún momento estábamos leyendo un artículo sobre Frank Gehry, el arquitecto. Construía una maqueta para un edificio que estaba diseñando y cuando alcanzaba un nivel particular de satisfacción en el que sabía que realmente podría haberse detenido, la tiraba por la ventana y tomaba el ascensor hasta la acera, recogía todas las piezas y las volvía a pegar, sabiendo que nunca volvería a encajar perfectamente, que habría un elemento de caos y accidente. Lo que John Cage llama indeterminación. Algo hermoso sucede. Tienes que haber tenido alguna experiencia en eliminar tu propio ego de tu trabajo para poder siquiera jugar con estas cosas.

Lavado: También te cansas de tus propias decisiones. Eso es lo que lo hace interesante.

Szczerbowski: Y estás deseando sorprender. El objetivo de que trabajemos en colaboración es esperar esos momentos en los que ocurre este tipo de indeterminación, ya sea debido a una tormenta o a la intervención de la otra persona. Por lo general, lo que obtienes al final es algo realmente diferente de lo que pensabas que sería. Para algunos eso podría ser un fracaso, pero para nosotros siempre es una bendición.