Varias películas animadas de 2025 abordaron cuestiones muy espinosas de inclusión e identidad.
“Zootopia 2”, “Elio”, “La pequeña Amélie o el personaje de la lluvia” y “Arco” profundizan en profundas reflexiones sobre la identidad propia, la inclusión e incluso el racismo; entonces, ¿cómo expresa eso un artista a través de la animación?
Jared Bush, coguionista y codirector de «Zootopia 2» con Byron Howard, señala que hace 14 años, él y Howard fueron contratados para «Zootopia» y que desde el día 1, «Byron y yo hablamos sobre la capacidad de la animación para llegar a las personas. Y específicamente, hay algo en un mundo de animales que nos permite sostener este espejo de la naturaleza humana y los patrones en los que caemos. Y fue algo que nos permitió tocar algunos temas profundos y cosas que son A veces es difícil hablar de ello, pero lo hizo accesible”.
En “Zootopia 2”, Gary De’Snake (con la voz de Ke Huy Quan) trabaja para restaurar los hogares ancestrales de las serpientes. Estos hábitats fueron destruidos y las serpientes expulsadas por linces ricos que se expandieron con avidez a las tierras frías que convenían a su propia especie. La propaganda contra las serpientes y la destrucción del hábitat aseguraron que el resto de la población de Zootopia no cuestionara el status quo.
Bush dice que si bien tuvieron que atenerse al tema central de las diferencias que surgieron entre Nick y Judy, ahora policías de pleno derecho, su investigación sobre animales demostró que las serpientes eran lo opuesto a los mamíferos en casi todos los sentidos; además, la mayoría de los mamíferos tienen un miedo inherente y un prejuicio contra las serpientes.
«Lo que es fascinante, sin embargo, es que nuestro diseñador de producción, Cory Loftis, encontró una especie muy específica de víbora, la víbora tailandesa, que tiene ese color azul brillante», dice Bush, un tono de azul que no aparece en los colores de los mamíferos. «Así que queríamos que este personaje fuera inmediatamente un caso atípico, incluso entre los reptiles, un caso atípico. Eso era realmente importante para nosotros».
Bush dice que, por otro lado, “las víboras tienen estos increíbles superpoderes: la capacidad de sentir el calor, lo que les da una forma diferente de maniobrar en el mundo”. Eso se volvió importante más adelante, cuando Gary se convierte en el héroe, «debido a esa diferencia, a esa alteridad».
Bush añade: «Todas estas fueron ideas muy cuidadosamente construidas y pensadas que se remontaban a esta noción de lo que estamos tratando de decir con la historia».
Pero Gary sigue siendo una serpiente, así que…
Bush dice que los diseñadores de personajes y Loftis realmente dieron un paso adelante en lo que respecta a los reptiles y los animales menos peludos de la película, como el hecho de que las serpientes no tienen párpados, entonces, ¿cómo se crean emociones a través de las ventanas tan importantes del alma? Bush nuevamente da crédito a los animadores, citando a Adam Green, quien «pasó mucho tiempo descubriendo cómo encontrar emociones con Gary. Pasamos mucho tiempo asegurándonos de que fuera vulnerable y que fuera un personaje increíblemente comprensivo y empático».
La investigación también reveló el hecho de que las escamas de las víboras también tienen plumas, «por lo que cuando sonríe o expresa emociones, en realidad se puede ver algo de esa ruptura. Le da especificidad. Y yo diría que no es cariñoso, pero probablemente más tierno que otra serpiente debido a esa textura extra en su cara», dice Bush.
También le da crédito a la actuación de voz de Quan. «Ni siquiera consideramos a nadie más para el papel. Tiene una inmensa gama de emociones; en el momento en que habla, te inclinas y quieres que tenga éxito y que sea feliz. Y creo que esa es una parte tan crítica de por qué el personaje de Gary funciona porque es importante para ti», dice Bush.
“La pequeña Amélie o el personaje de la lluvia” sigue a una joven belga que crece en el Japón de la posguerra.
Los animadores y codirectores de “La pequeña Amélie”, Maïlys Vallade y Liane-Cho Han, adaptaron las memorias de Amélie Nothomb que narran la primera infancia de la hija del diplomático belga en Japón. La película comienza con su nacimiento y la sigue hasta aproximadamente los tres años, explorando temas de identidad (Amélie cree que es japonesa), clase y cicatrices dejadas por la Segunda Guerra Mundial.
«Estamos a finales de los años 60, así que es un momento específico de su vida», dice Han. Nishio-san, una joven japonesa, llega para ayudar en la casa y cocinar, y se convierte en la compañera de Amélie. «Y esta niña realmente elige ser japonesa. Ella siente que es japonesa. Y pensamos que era una historia muy poderosa y simbólica, y queríamos atraer tanto a un público adulto como a un público infantil, así que sentimos que era un mensaje muy profundo sobre la muerte, sobre el dolor, sobre la aceptación», dice Han.
Una escena importante que ilustra la versatilidad de la animación es aquella en la que Nishio-san le explica a la pequeña Amélie lo que le pasó a su familia en la guerra. En el libro, es bastante gráfico, dice Vallade. «No queríamos hacer algo demasiado violento. Por eso nuestra solución involucró que ella cocinara». Nishio-san usa una olla con agua hirviendo y arroz para explicar el bombardeo de su casa y la muerte de su familia. «Así que podías sentir un poco más dentro de su mente, de su estado emocional. Fue un gran trabajo encontrar este equilibrio entre el adulto [themes] y hacerlo también para niños”, dice.
El libro trata sobre la primera infancia, por lo que el diseño de los personajes refleja un estilo más cálido y redondo. Han señala que la pareja había trabajado con el animador Rémi Chayé (director de “Calamity” y “Long Way North” que hizo los fondos de “Amélie”), cuyo estilo usando contornos atrevidos coincidía con lo que estaban haciendo para su película. «Textura con un poco de pastel, ya sabes, para sentir que el personaje está aún más mezclado con el fondo», dice Han.
Vallade añade que la conexión entre los pintores impresionistas franceses de finales del siglo XIX y los artistas japoneses que engendró un movimiento llamado Japonais también influyó en el aspecto de la película. «Es la conexión impresionista, intentar crear algunas formas simples que puedan transmitir mucha emoción con la elección de colores y estados de ánimo muy particulares».
“Arco” está ambientada en el futuro, pero los entornos son familiares para las audiencias de 2025.
“Arco” dibujado a mano por Ugo Bienvenu cuenta la historia de un niño llamado Arco que viaja accidentalmente desde la Tierra del futuro hasta el año 2075, que se está adaptando a un clima hostil. «La animación, para mí, da mucha más sensibilidad y también profundidad; tengo muchas más emociones en 2D que en 3D. Creo que también es porque los humanos nos reconocemos más en nuestros errores, más en lo que fallamos que en lo que logramos», dice.
En cuanto al estilo de “Arco”, que incorpora fondos brillantes y personajes accesibles, incluidos robots humanoides, Bienvenu dice: “Soy dibujante y he trabajado en cómics e ilustraciones durante 15 años, y no intenté encontrar ningún estilo nuevo”.
Su mundo de futuro cercano todavía resulta familiar para el público en 2025, al igual que el mundo de Arco, donde viven en viviendas en forma de cápsula con jardines en el cielo. Quería incorporar elementos que fueran familiares para todos, a pesar de ser ciencia ficción. Pero ese es el punto: nuestro futuro es similar al actual, sólo que con los avances tecnológicos.
Bienvenu dice: «Y si soy honesto, mañana no va a ser mejor. Entonces pensé, si queremos que suceda lo mejor, tenemos que imaginarlo primero. Así que ‘Arco’ fue para mí una forma de decir: ‘Difundir mejores ideas en el futuro para que puedan suceder’. El objetivo de ‘Arco’ es decirle a la gente que imagine cosas buenas. Y hagamos realidad cosas mejores”.
