Kate Winslet se sienta con una mezcla de euforia e incredulidad. Todavía está procesando la magnitud de lo que acaba de hacer. La actriz ganadora del Oscar (“The Reader” de 2008) ha realizado su debut como directora, “Adiós junio”, un drama familiar íntimo escrito por su hijo, Joe Anders, y la realidad aún no se ha asentado del todo.
«Incluso escuchándote decir que he dirigido una película, casi estoy experimentando las réplicas», dice Winslet con una sonrisa. «Como mujer, hacer películas es difícil, incluso como actriz. Las directoras tienen que defenderse a sí mismas con tanta fuerza. He pasado años defendiendo a los demás, por lo que de repente encontrarme en esa comunidad es emocionante. Creo que nunca imaginé que estaría aquí».
El momento llegó no por urgencia, sino por oportunidad. Winslet siempre había priorizado la maternidad. Ahora, con sus hijos crecidos (o creciendo), finalmente se abrió el espacio. «Dirigir es un compromiso de principio a fin de un año, a veces más», dice. «Eso es enorme. Pero las estrellas se alinearon y, a mis 50 años, tengo que hacerlo, y me encantó».
“Goodbye June” se centra en una reunión familiar mientras su matriarca enfrenta una enfermedad terminal, un tema que Winslet aborda con comprensión vivida después de perder a su propia madre en 2017. La película cuenta con un elenco formidable: Helen Mirren, Toni Collette, Timothy Spall, Andrea Riseborough y la propia Winslet.
Winslet recurrió a décadas frente a la cámara para repensar cómo se apoya a los actores en el set. Se eliminaron los micrófonos elevados. Los micrófonos ocultos los reemplazaron. Las cámaras estaban cerradas. Para las escenas más privadas, el equipo se alejaba silenciosamente.
«Quería desarmar el espacio», explica Winslet. «Para eliminar las cosas que sacan a los actores de sí mismos».
El resultado es una película que encuentra el humor dentro del dolor sin suavizar su verdad. «La vida no deja de ser divertida sólo porque es dolorosa», comparte Winslet. «A veces la risa es la única salida».
Para un director novel, el enfoque de Winslet parece a la vez considerado e instintivo, arraigado en la empatía y la confianza. Queda por ver si “Adiós junio” marca el comienzo de un nuevo capítulo o un acto singular. Pero por ahora, Winslet se está permitiendo un momento para reconocer lo que ha construido.
“Realmente lo hice”, dice, todavía un poco sorprendida.
En este episodio del Variedad Podcast del circuito de premiosWinslet habla sobre cómo prepararse para este momento de su carrera, trabajar con su hijo y lo que quiere hacer a continuación.
“Adiós junio” está protagonizada por Helen Mirren y Kate Winslet. (Kimberley French / Netflix / Cortesía de la Colección Everett)
©Netflix/Cortesía Colección Everett
Lea extractos de su entrevista a continuación, que ha sido editada y condensada para mayor claridad.
¿Cómo influyó tu experiencia como actor en tu forma de dirigir?
Supe inmediatamente cómo evitar cosas que no serían útiles. Lo que me sorprendió fue lo diferentes que eran las necesidades de cada actor. Cada persona necesitaba algo específico de mí y adaptarme a eso fue maravilloso. Significó aprender quiénes eran, qué necesitaban para sentirse seguros y generar confianza. Esa confianza lo era todo.
Hable sobre las opciones para eliminar los micrófonos boom en el set.
Como actor, los encuentro increíblemente distraídos. Se mueven, flotan y siempre me siento mal por la persona que los sostiene. Los operadores de boom son brillantes, pero anticipan el movimiento, y si un actor cambia de opinión a mitad de la toma, puede sacarte del momento. Quería eliminar esa distracción. También tuvimos niños en la película, y los niños pequeños siempre miran la gran cosa negra que ondea sobre sus cabezas. Sin auges, ese problema desapareció.
¿Qué te llevó a bloquear las cámaras y despejar el set para escenas íntimas?
En las escenas más tranquilas (entre Helen Mirren y Timothy Spall, o Toni Collette y Helen en el baño del hospital), los actores estaban completamente solos. Las cámaras estaban grabando, pero nadie las operaba. Helen me dijo: «Nunca había tenido eso en mi vida y estoy muy agradecida». Eso significaba todo. Permitió que emergiera una textura emocional diferente, algo muy real.
¿Cómo equilibraste el dolor con el humor en la película?
Ese equilibrio era esencial. Cuando te enfrentas a una tragedia, todavía surgen risas, a veces en momentos que parecen inapropiados. Cuando a mi propia madre le faltaban cinco días para fallecer, le dijo a mi hija que debía llevarse los sostenes porque ya no los necesitaría más. Nos reímos. En ese momento mi hija comprendió que estaba perdiendo a su abuela. Así es la vida. El humor es parte de ello.
¿Cómo lograste un rodaje de 35 días con Helen Mirren durante sólo 16 días?
Soy un pensador avanzado. Si eres el número uno en la hoja de llamadas y ralentizas las cosas, pones en peligro todo el día. Con un cronograma como ese, no puedes permitirte el lujo de abandonar una escena; es posible que nunca la recuperes. Mi preparación con mi director de fotografía, Alvin Küchler, fue increíblemente detallada. Prácticamente se mudó a mi casa por una semana. Planeamos todo.
¿Cuál fue el mayor desafío al dirigirte a ti mismo?
Eso era lo único que no sabía cómo manejar. Tenía que estar preparado con múltiples opciones para que en la edición tuviera opciones. Mi instinto es nunca ponerme a mí mismo en primer lugar, por lo que siempre priorizo la cobertura de los otros actores, y luego me doy cuenta de que tengo que apresurarme. Fue una locura. Pero también estimulante.
¿Tu memoria fotográfica te sorprendió en el montaje?
Podía recordar tomas específicas: lo que funcionó y lo que no. Le diría a mi editora, Lucia Zucchetti: «Quédate en la toma cinco». Ella lo cuestionaría y yo diría: «No, confía en mí». Y tenía razón. Eso nos ayudó a mantener una fuerte línea emocional.
¿Cómo fue colaborar con su hijo, Joe Anders, en el guión?
Joe no sabe cómo trabajo en el set y no puedo enseñarles a mis hijos cómo hacer este trabajo. Tienen que encontrar su propio camino. Estoy increíblemente orgulloso de mis dos hijos porque están labrando su propio camino. Colaborar con su hijo y tener conversaciones creativas significativas es muy especial.
¿Qué es lo que más te llamó la atención de la actuación de Timothy Spall?
Hay un momento en el que le preguntan a su personaje: «¿Aún la amas?». No dice nada. Todo está en sus ojos. El dolor, la traición: ves su corazón abrirse. Es una de las mejores actuaciones que he presenciado.
¿Cómo abordaste el lenguaje visual de la película?
Se trata de una familia complicada y desordenada que vive con una enfermedad de larga duración. No quería que el cáncer se convirtiera en la narrativa. Esa no es la historia. La historia es cómo una familia se une más. Al principio, me contengo visualmente: es el espacio entre las personas lo que nos dice qué tan distantes están.
¿Quieres volver a dirigir?
Me encantaría. Realmente lo haría. Acabo de entregar la película, así que aún no lo sé, pero sí, me encantaría.
¿Cómo fue volver a “Avatar: Fuego y Ceniza¿Y qué te recordó a la actuación?
Lo rodé hace años, pero la experiencia fue extraordinaria. El entrenamiento fue intenso. La pasión de Jim Cameron es incomparable. Y a medida que crezco, me doy cuenta de lo mucho que me encanta estar en grupo con otros actores. Esa energía importa. Tuve la suerte de ser parte de ello.
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