En la economía cuidadosamente calibrada de Alexander SkarsgårdLa filmografía de “Grupera” llega como una especie de revelación silenciosa: una película que pide a uno de los protagonistas físicamente más imponentes del cine contemporáneo que se comunique no a través de la fuerza bruta o el espectáculo, sino a través de la elocuencia de la moderación.
Escrita y dirigida por Harry Lighton y adaptada de la novela de Adam Mars-Jones de 2020 “Box Hill”, la comedia negra de A24 se centra en Colin (Harry Melling), un tímido hombre gay que entabla una relación BDSM con Ray (Skarsgård), un enigmático motociclista cuya opacidad emocional es tan definitoria como su dominio. Estrenada en la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cine de Cannes, la película se anunció como un destacado crítico y ganó el premio al mejor guión de la sección.
Durante gran parte de su carrera, Skarsgård se ha inclinado hacia personajes que convierten la presencia física en armas: vikingos, titanes tecnológicos y brutos míticos cuyo poder es inmediatamente legible. “Pillion”, por el contrario, llegó sin fanfarrias, enterrado en un correo electrónico junto a proyectos que normalmente se señalaban como probable rechazo. Pero algo en la visión de Lighton lo detuvo en seco. «Había algo en esto que realmente me dio curiosidad: una historia de amor ambientada en el mundo de los motociclistas homosexuales pervertidos», dice Skarsgård riendo. «Y tan pronto como comencé a leerlo, era un guión fenomenal. Me sorprendió lo dulce, tierno, divertido e incómodo que era».
Filmada con un presupuesto modesto en el sur de Londres en agosto de 2024, “Pillion” requirió que Skarsgård recalibrara su enfoque en la construcción de personajes. Ray es dominante, lacónico y emocionalmente cerrado, pero su actuación gira en torno a la sugerencia más que a la declaración: contiene la vulnerabilidad sin renunciar nunca al control. «El desafío era asegurarnos de que Ray no pareciera tan plano», explica Skarsgård. «Si eso sucede, no será interesante. Pensé que era importante que el público creyera que tal vez había un futuro para esta pareja».
Mientras la película A24 continúa su proceso de descubrimiento, Skarsgård se encuentra en un momento raro y resonante: obtener elogios generalizados por una actuación atrevida en una pequeña película independiente británica que aborda un tema que la mayoría de los estudios evitarían, mientras que su padre, Stellan Skarsgårdsimultáneamente genera entusiasmo por el Oscar por “Sentimental Value”. Es una convergencia que parece improbable e inevitable para un actor que alguna vez pasó años tratando de evitar seguir los pasos de su padre.
En este episodio del Variedad Podcast del circuito de premiosSkarsgård analiza los desafíos íntimos de hacer una comedia romántica BDSM, lo que le espera en la próxima temporada de “Murderbot”, la alegría surrealista de ver el resurgimiento de su padre en la temporada de premios y por qué, en el fondo, todavía se considera un competidor. ¡Escuche a continuación!
Cortesía de A24
Lea extractos de su entrevista a continuación, que ha sido editada y condensada para mayor claridad.
Mencionaste que cuando apareció “Pillion”, no se presentó como una gran oportunidad. Guíanos a través de ese proceso de descubrimiento.
Me llegó de una manera muy poco ceremoniosa. No fue como si mis agentes llamaran y dijeran: «Dios mío, tienes que leer esto». A veces, recibirás un correo electrónico con un montón de scripts adjuntos: ofertas entrantes. Legalmente, los agentes tienen que informarle si tiene una oferta; No pueden simplemente transmitir cosas. Si descartan algo que creen que no es nada y resulta ser una película increíble, están en problemas. Entonces envían un correo electrónico enumerando un puñado de proyectos, y a menudo dicen: «Recomendamos un pase, recomendamos un pase». Pero si quieres echar un vistazo, puedes hacerlo.
Siempre echo un vistazo. Leeré quién está involucrado e intentaré incluir al menos cuatro o cinco páginas en un guión. Con este, algo inmediatamente me llamó la atención. Tan pronto como comencé a leer, quedó claro lo fenomenal que era el guión. Recibí una llamada con Harry Lighton, quien la escribió y dirigió, y quedé increíblemente impresionado por su visión de cómo quería contar esta historia.
La película no fue financiada en ese momento. Era un proyecto británico muy pequeño que aún no se había concretado, pero no lo dudé. Entre la solidez del guión y mi fe en Harry como cineasta, me pareció fácil. Ray es un personaje tan enigmático y divertido. No me pareció una elección valiente ni aterradora. Pensé que era tan bueno que decir que sí era sencillo.
La película y la actuación son bastante físicas. ¿Cuáles fueron las escenas más desafiantes de filmar desde ese punto de vista?
La escena de la lucha libre fue una de las primeras escenas que filmamos. De hecho, ensayarlo dos días antes del rodaje fue la primera vez que Harry y yo nos conocimos, así que no tuvimos mucho tiempo de preparación. Llegué aproximadamente a una semana de producción porque estaba filmando “Murderbot” en Toronto.
La historia es en gran medida un viaje de descubrimiento para Colin, el personaje de Harry Melling: descubrir las reglas de esta relación sub-dom y lo que Ray le pide. Hablé mucho con Harry Lighton de antemano, pero sentí que podría ser más interesante dejar que esa exploración se realizara frente a la cámara en lugar de ensayar completamente con Harry Melling. No tenía idea de cómo iba a interpretar a Colin o cómo veía la relación.
Llegamos, empezamos a luchar y nos pusimos en marcha. Fue realmente emocionante. Llegué con ideas sobre cómo podría desarrollarse la relación, pero luego estás reaccionando ante Harry: su energía, sus instintos, sus elecciones. Él respondía a las cosas de maneras que no esperaba y, de repente, la escena tomaba un giro que parecía vivo y sorprendente.
Interpretas a Ray como enigmático y dominante, pero también hay ternura allí. ¿Cómo encontraste ese equilibrio?
Ray es claramente un alfa, el dominante en esta relación sub-dom, y dicta las reglas mientras impulsa las cosas hacia adelante. Al mismo tiempo, no revela nada sobre sí mismo. Es bastante lacónico. El desafío era asegurarse de que no pareciera plano, porque eso no sería interesante.
Era importante para el público tener momentos en los que pudieran pensar: «Quizás haya un futuro aquí. Quizás estos dos sean buenos el uno para el otro. Quizás esto sea amor. Quizás Ray se esté enamorando de Colin de la misma manera que Colin se está enamorando de Ray». Si Ray es descartado desde el principio como un imbécil frío y dominante, no hay película. Ese viaje no es convincente.
Cuando filmamos la primera escena de la conexión (la mamada en el callejón en su primera cita), inicialmente hicimos una versión en la que Ray era más contundente, más dominante. Se sentía demasiado oscuro. Perdió su alegría. Queríamos que el público y Colin pensaran que una segunda cita podría ser realmente divertida. Si Ray se vuelve demasiado agresivo, rozaría el abuso y entonces ya no lo apoyarás. Estarías pensando: «Colin, sal de ahí». Era importante sentir entusiasmo cuando Ray convocó para una segunda cita: que había potencial para que algo creciera.
Hay una escena fundamental después de la lucha en el parque donde no tienes ningún diálogo, solo miras a Harry. ¿Qué estabas pensando en ese momento?
No estaba escrito en el guión y ni siquiera estoy seguro de saber exactamente dónde está Ray en ese momento. Hemos estado en varios festivales y hemos hablado con la gente después de las proyecciones, y ha sido fascinante escuchar cómo el público interpreta de manera diferente esa secuencia, particularmente la motivación de Ray para darle a Colin este día casi clásico de comedia romántica.
Lo interesante es que ocurre al final de la película y no antes. Ves un lado completamente diferente de Ray. Las interpretaciones abarcan toda la gama: desde «eso fue sádico, lo hizo para castigar a Colin» hasta algo casi altruista, como «está tratando de demostrarle a Colin que no son compatibles para suavizar el golpe cuando se va», hasta «tal vez realmente se está sorprendiendo a sí mismo porque se está enamorando y eso lo aterroriza».
He sido muy consciente de no encerrarlo en una sola explicación. No quiero decir: «Así es exactamente como lo jugué». Creo que es mucho más interesante dejar esas puertas abiertas. Puedo decir que mi comprensión del momento cambió entre planearlo en mi cabeza y filmarlo con Harry; la dinámica entre nosotros cambió las cosas de maneras que no había anticipado.
Mencionaste que intentaste evitar seguir los pasos de tu padre. ¿Qué cambió?
No quería ser actor cuando era niño. Intenté con todas mis fuerzas evitarlo y, de alguna manera, todavía lo hago. Yo era un contrario. Creo que como la gente asumió que querría seguir a mi padre en la actuación, instintivamente me opuse a ello.
Hice algunas cosas cuando era actor infantil casi por accidente. Un amigo de mi padre, un director sueco, necesitaba un niño de siete años, y yo tenía siete. Trabajé un poco en Suecia entre los siete y los 13 años, pero nunca con la intención de convertirlo en una carrera. Parecía una novedad. El servicio de artesanía tenía Cinnabons, eso fue emocionante.
Lo dejé cuando tenía 13 años después de hacer una película para televisión en Suecia. En aquella época sólo había dos canales de televisión, por lo que una gran parte de la población veía todo lo que pasaban. Empecé a ser reconocido en público y, a los 13 años (que ya era una edad increíblemente incómoda), eso fue abrumador. Además, ser el centro de atención no era saludable para mí. Lo odié. Entonces dejé de actuar durante ocho años y estaba decidido a hacer otra cosa. Fracasé estrepitosamente. Y aquí estamos.
¿Qué te atrae de un papel hoy en día? ¿Estás buscando algo específico?
No estoy persiguiendo un género o tipo de personaje específico. Al observar los proyectos por los que he gravitado recientemente, todos se sienten muy originales y distintos, lo cual es raro. Muchos guiones, incluso los bien escritos, parecen derivados. Los lees y piensas: «He visto esta película antes».
Me emociono cuando algo me sorprende, como “Pillion” o “The Moment”, que hice a principios de este año con Charlie McDowell. Ese guión se sintió tonalmente único. “Wicker”, otra película que hice el año pasado, me emocionó porque, sinceramente, no sabía si funcionaría, y eso me resultó estimulante.
Todos hacen grandes cambios. Hay un riesgo en eso (esto podría acabar con su carrera), pero también podría ser increíble. Eso es lo que me atrae.
Tu padre está viviendo un gran momento de premios con “Sentimental Value”. ¿Cómo ha sido eso?
El otro día bromeábamos acerca de orquestar una campaña masiva de desprestigio contra él; no, pero realmente, ha sido una gran alegría. Hemos estado yendo a los mismos festivales, saliendo y festejando juntos. Puedo verlo en este momento en el que simplemente brilla.
Está muy orgulloso de la película y muy feliz. Le encanta Joachim Trier, que la dirigió, y sus compañeros de reparto. Habló públicamente de haber sufrido un derrame cerebral hace unos años y hubo un momento real en el que no estaba seguro de poder volver a trabajar. Para alguien que ha sido actor durante 60 años y se identifica tan profundamente con su trabajo, eso fue una crisis existencial.
Luego hacer esta película, sentirme segura, apoyada y realizada creativamente, y que la acogieran como lo ha hecho, ha sido extraordinario. Estar cerca de él mientras viaja, recibe elogios y realmente lo disfruta ha sido increíblemente conmovedor. Ha sido realmente hermoso.
El podcast “Awards Circuit” de Variety, presentado por Clayton Davis, Jazz Tangcay, Emily Longeretta, Jenelle Riley y Michael Schneider, quien también produce, es su fuente única para conversaciones animadas sobre lo mejor del cine y la televisión. Cada episodio, “Circuito de premios”, presenta entrevistas con los mejores talentos y creativos del cine y la televisión, discusiones y debates sobre carreras de premios y titulares de la industria, y mucho más. Suscríbase a través de Apple Podcasts, Stitcher, Spotify o cualquier lugar donde descargue podcasts.
