Dejando a un lado el premonitorio título, razonablemente se podría empezar a mirar. Charlie Polinger‘s «La plaga» y supongamos que es un drama juvenil sobre la mayoría de edad: un «Los 400 golpes» moderno o un «Bienvenido a la casa de muñecas» masculino sobre un grupo de adolescentes que pasan el verano en un campamento de waterpolo. Sin embargo, a medida que avanza la película, no sólo su narrativa se vuelve cada vez más siniestra, sino que la apariencia de la película sutilmente adormece a la audiencia lejos de una seguridad vivaz y hacia los reinos psicológicos más oscuros de la adolescencia temprana.
Debido al escenario del campamento de waterpolo de la película, gran parte de esto ocurre dentro y alrededor de una piscina cubierta. Cualquiera que haya estado en un YMCA temprano en la mañana conoce la dura fluorescencia de estos ambientes. En consecuencia, los dos primeros actos de la película están muy iluminados y, en ocasiones, parecen casi esterilizados.
En la toma inicial, la cámara está completamente sumergida en la piscina, presentando la primera de muchas tomas bajo el agua cuando los niños saltan al agua, pataleando e interrumpiendo la quietud acuática. Si bien el azul lavado con cloro de la piscina es inconfundible, el director de fotografía Steven Breckon dice que él y Polinger intentaban evitar tomas clichés bajo el agua. «La clásica toma bajo el agua es un comercial de perfume con una mujer vestida con ropa fluida y hay como un rayo de luz divina sobre ella», dice Breckon. Variedad. «Eso no se acerca en absoluto a cómo queríamos que se viera este material y, de hecho, nos inspiramos en un enfoque más profundo, como una pintura».
Para realizar las tomas bajo el agua, Breckon explica que el operador de la cámara estaba debajo de la superficie y recibía instrucciones a través de parlantes. «Básicamente podía hablar con él a través de un altavoz megáfono gigante colocado bajo el agua, por lo que eran como instrucciones confusas y él simplemente asentía con la cámara ‘sí’ o asentía con la cámara ‘no’ para confirmar que me había escuchado».
Incluso cuando la cámara se vuelve menos estática, dando vueltas alrededor de los niños que flotan en el agua, moviéndose hacia arriba y hacia abajo con aparente casualidad, Breckon dice que fue orquestada con más cuidado de lo que parece. Dice que la cámara estaba «en una plataforma de flotación que se puede desinflar al nivel perfecto donde está medio dentro y medio afuera. Y al empujarla hacia la superficie a través de esos niños y tener todas las salpicaduras, tiene una energía muy caótica», sin embargo, «estaba muy diagramado. Realmente no hubo mucho que encontrar en el momento porque teníamos que estar muy seguros con los niños. Ya sabes, teníamos salvavidas en cada rincón del encuadre».
La apariencia portátil de la secuencia se complementa con su sonido y partitura, que entra y sale sincrónicamente cada vez que la cámara se sumerge y emerge. «Estoy bastante seguro de que Damien (Volpe) y Dave (Paterson) en el departamento de sonido hicieron la atenuación real del sonido de la música. Pero yo estaba allí. Fui a esas sesiones», dice el compositor Johan Lenox. Variedad.
Si bien la cinematografía cambia lentamente del brillo engañoso de un bildungsroman a la oscuridad de una película de terror a lo largo del tiempo de ejecución, la música es consistentemente inquietante desde el principio, lo que le indica al público que no todo está bien para este grupo de niños. «La música da miedo, pero también es increíblemente extraña», dice Lenox. «Queríamos avisar con anticipación que algo ridículo y loco va a suceder».
La energía premonitoria se ve acentuada por las cualidades surrealistas, a veces liminales, de la música. «Simplemente me estás escuchando llorar frente a este micrófono», continúa Lenox, señalando que si bien la música es extraña en todo momento, hay sutiles intensificaciones a medida que avanza la película. «No creo que haya un instrumento de cuerda en el primer tercio o mitad de la película. Y luego estos sonidos ásperos y ruidosos de los instrumentos de cuerda comienzan a infiltrarse por encima de las voces y eventualmente las suplantan justo cuando la diversión se detiene», explica Lenox. «Luego también están esos sonidos tensos y crecientes de drones empujando estos pasillos y cosas así. Creo que hay uno más corto al principio de la película y luego hay uno de tres o cuatro minutos de duración al final».
La vista y el sonido de “La Peste” tienen rupturas notorias con su molde siniestro. En particular, cuando los niños se escapan por la noche a mitad de la película, una toma larga cámara en mano los captura de fiesta en un callejón.
“Esa es probablemente la escena que representa la versión más extrema de lo que describo como ‘la caja de arena’”, dice Breckon. «Están estos trazos generales que estaban muy configurados y diagramados, pero dentro de eso, es simplemente un caos, dejándolos ir en todas direcciones. En términos de abordarlo, estaba haciendo todo lo posible para que nos comprometiéramos con un área de más de 180 grados, pensando que daríamos la vuelta y llegaríamos al otro lado, pero los niños estaban dando vueltas y haciendo de todo, por lo que muy rápidamente se convirtió en un área de 360 y eso planteó algunos desafíos. Como director de fotografía, quieres que todos estar en la luz de fondo, y no quieres momentos de demasiada luz frontal. Así que estaba tratando de mantenerme al día con esa escena mientras se desarrollaba frente a nosotros, pero no había ninguna versión de mí diciendo, ‘Espera, espera, espera. En cambio, fue como, ‘No, los niños nos están diciendo lo que tiene que ser’”.
La escena llega a un crescendo cuando uno de los chicos introduce un CD en un estéreo y suena una canción pop italiana. Si bien la canción podría confundirse fácilmente con una caída de aguja oscura pero apropiada, sigue siendo una pieza original compuesta por Lenox para la película. «Vamos a escribir lo nuestro. Como, ¿por qué no?» reflexiona Lenox, apreciando cómo el «mundo sonoro» de la película es el 90% de una cosa y luego esta otra cosa que aparece. Es intencional. No podría ser más opuesto a todo lo demás. Realmente me gusta como estructura y forma».
La canción se titula “Corsa Notturna” y cuenta con la voz italiana de un niño. Es una de las únicas voces de la banda sonora que no pertenecen al propio Lenox. La canción regresa una vez más al final de la película, en una secuencia de baile que una vez más muestra técnicas de cámara innovadoras.
Mientras el personaje principal baila libremente, giramos con él hasta que se produce un efecto único y parece como si la rotación continuara mientras se corta sin problemas entre el niño y su prospecto giratorio. Breckon, sin embargo, explica que el disparo no fue cortado en absoluto. El equipo creó un espejo giratorio de seis lados en el que el actor estaba estacionario, lo que le permitía aparecer intermitentemente en el plano inverso mientras mantenía el movimiento circular hacia afuera.
«A medida que se convierte en parte de la imagen, y pasa de las personas que lo miran a solo él, en realidad se desacelera. Ya no está dando vueltas y comienza a evaluar la situación en el momento, pero contrasta con el hecho de que este espejo gira cada vez más rápido», dice Breckon. Es un efecto paralizante que cierra la película, encapsulando efectivamente el vertiginoso enfoque de la historia hacia la autoaceptación.
Las influencias de “The Plague” son múltiples. Entre Breckon y Lenox, mencionan haberse inspirado en “Raw”, “Carrie” y “The Shining”, pero también en “Full Metal Jacket”, “8 ½”, “The Dark Knight” y “Superbad” para darle forma a la apariencia y el sonido. El resultado es algo totalmente único: una película de terror sobre la mayoría de edad que explora la visceralidad social, psicológica y física del crecimiento.
“La plaga” debutó en el Festival de Cine de Cannes en mayo. IFC adquirió sus derechos de distribución en agosto y estrenará la película en cines el 24 de diciembre.
