director libanés Sara Francisco trajo su silenciosamente devastador drama matrimonial “Dead Dog” al Festival de Cine de El Cairo‘s Horizons of Arab Cinema Competition, donde la película ganó el premio Saad Eldin Wahba a la mejor película árabe. Cuando nos reunimos con Francisco antes de la ceremonia de clausura, el impacto de la película, anclado en actuaciones íntimas de Chirine Karameh y Nida Wakim, ya estaba repercutiendo en el festival.
Para Karameh, que había dejado de actuar durante años, el proyecto se convirtió en un inesperado reingreso artístico. Posteriormente ganó el premio a la mejor actriz en los premios Next Generation, presentados durante la ceremonia de clausura de los Cairo Industry Days.
Karameh le contó a Variety cómo la visión de Francis la devolvió al oficio que creía haber dejado atrás: «En el fondo, siempre había un lugar tranquilo que me decía que algo todavía me estaba esperando. Cuando supe que el proyecto era con Sarah, algo cambió de inmediato».
“Dead Dog” fue producida por Lara Abou Saifan y el equipo de Placeless Films, cuyo compromiso inicial, dijo Francis, ayudó a construir el mundo emocional minimalista de la película. Las ventas de la película en el mundo árabe están a cargo de MAD Distribution, mientras que MAD World supervisa su distribución global. Se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam antes de viajar a São Paulo, Sarajevo y El Cairo.
A continuación, Francis habla con Variety sobre cómo construyó el frágil terreno emocional de la película, cómo hizo el cambio del trabajo híbrido a la ficción y el proceso de colaboración detrás de “Dead Dog”.
Provienes de una formación híbrida y documental. ¿Qué provocó “Dead Dog” y por qué contarla como ficción?
Rara vez sé cómo comienza una idea. A veces es una imagen, a veces es una escena. Esta película comenzó con dos personas que se conocen bien y se encuentran en una especie de espacio de transición, un momento temporal en el tiempo. Quería explorar el malentendido o la falta de comunicación entre ellos y, mientras seguía ese hilo, se desarrolló la historia de Aida y Walid.
Se reúnen durante cuatro días en una casa de montaña que heredó de sus padres, un lugar en el que realmente no viven, casi semiabandonado. Me interesaba trabajar con elementos mínimos: dos personas, un lugar, un período de tiempo específico. Y al mismo tiempo, ciertos objetos, como una fotografía, una carta, abren ventanas a otros momentos de su relación. Se vuelve como una constelación de momentos vinculados.
¿Qué te permitió explorar el paso de las formas híbridas a la ficción que antes no podías?
Con la ficción, de repente hay toda una arquitectura que necesitas construir: vestuario, elección de cámaras, listas de tomas y tantas preguntas prácticas. Algunas cosas estaban muy claras en mi mente y otras eran completamente nuevas. Trabajar con actores también fue un desafío pero muy interesante.
Incluso con toda esa preparación, todavía te enfrentas a la realidad del momento: lo que aportan los actores, cómo se siente la escena ese día, incluso el clima. En cierto modo, volvió a parecerse a un documental. Observas lo que sucede frente a ti, sientes lo que es importante, decides qué puedes dejar ir y sigues el hilo que se presenta.
La emigración marca la distancia entre Aida y Walid. ¿Por qué decidiste basar la historia en esa realidad libanesa específica?
No fue algo con lo que comencé, pero a medida que desarrollé los personajes, me resultó obvio que Walid sería parte de esa realidad. La emigración ha sido común en el Líbano durante más de un siglo, incluso antes de la guerra civil, durante ella y después de cada crisis, y hoy la diáspora es mayor que la población dentro del país. A menudo el hombre se va solo y regresa sólo de vez en cuando.
Así que Walid es alguien que no está completamente anclado en ninguna parte. No está establecido en el extranjero, pero tampoco puede regresar fácilmente porque no está seguro de a qué regresaría. Mientras tanto, Aida ha estado viviendo sola las dificultades del Líbano, mientras criaba a su hija, gestionaba la vida diaria y soportaba la inestabilidad constante. Naturalmente, cada uno de ellos carga con decepciones y expectativas que nunca se cumplieron.
Sin embargo, lo que realmente me interesó no fue la emigración como tema sino el espacio emocional que crea. Ambos se encuentran en un momento de transición, buscando un centro para su relación y para ellos mismos. Nada se siente fijo, ni los sentimientos, ni las decisiones, ni siquiera la sensación de seguridad que alguna vez prometió su matrimonio. Esa incertidumbre se convirtió en el corazón de la película.
La relación entre Aida y Walid se siente íntima pero fracturada. ¿Cómo abordaste el trabajo con los actores para construir esa historia emocional?
Ambos actores viven en el extranjero, por lo que llegaron unas semanas antes del rodaje para ensayar. Ese tiempo fue fundamental. No nos limitamos a repasar el guión, hablamos mucho sobre quiénes eran estas dos personas antes de que comenzara la película, definiendo por qué se casaron por primera vez, qué esperaba cada uno de ellos, qué los decepcionó y qué llevaban consigo en ese momento. Juntos construimos una especie de historia compartida y, al mismo tiempo, cada actor también desarrolló su propia historia privada. Creo que esa combinación dio a los personajes una vida interior más rica.
También hubo momentos en los que sus opiniones reales sobre ciertas cosas, especialmente en torno a los roles o expectativas de género, no coincidían. A veces tenían puntos de vista diferentes en la vida real, al igual que sus personajes. Esa dinámica se deslizó naturalmente en sus escenas e hizo que la tensión entre Aida y Walid pareciera muy real.
Cuando comenzamos a filmar, cada actor se había formado una “verdad” muy específica sobre quién era su personaje. Esas verdades no siempre coincidían perfectamente en un momento dado, lo que en realidad fue muy útil. La fricción, los malentendidos, la ternura, todo procedía de las perspectivas que habían interiorizado plenamente. Las actuaciones se sintieron naturales porque actuaban desde un lugar que habían construido y en el que creían.
El silencio juega un papel importante en la película tanto emocional como estructuralmente. ¿Cómo decidiste cuándo era necesario el diálogo y cuándo el silencio podía decir más?
El guión originalmente tenía más diálogo, pero durante el ensayo y el rodaje, siempre recorríamos escenas enteras desde el principio, incluso si solo necesitábamos ajustar una línea. Los actores adoptaron un ritmo juntos y, a menudo, nos dimos cuenta de que la escena ya estaba clara a través de su apariencia, su lenguaje corporal o cómo se movían en el espacio.
El sonido y la música también fueron esenciales. Con Victor Bresse, el diseñador de sonido, trabajamos para crear un mundo mínimo pero impactante en torno a los personajes. Y con la música original de Rabih Gebeile, sentí que añadió una capa complementaria, no repitiendo las emociones de la película, sino contando la historia en otro tono, casi como un narrador con su propia voz.
El Cairo es una plataforma importante para los cineastas árabes. ¿Qué significó para usted proyectar “Dead Dog” en el concurso Horizontes del Cine Árabe y qué esperaba que el público regional se llevara de ello?
Todos estábamos muy emocionados de estar en El Cairo con esta película porque El Cairo es realmente un centro para el cine y tiene una historia muy rica. Chirine (Aida), Lara (productora), mi familia, muchos de nosotros crecimos viendo películas egipcias. Estar aquí fue como entrar en un espacio que pertenece a tantas personas en el mundo árabe. Y para nosotros era importante que el festival tuviera un público auténtico.
Después de la proyección, una mujer egipcia se me acercó y me dijo que con todo lo que sucede en la región, gran parte de nuestro cine se ha centrado en la catástrofe, lo cual es comprensible y necesario. Pero ver “Dead Dog” le dio una sensación de alivio, porque sintió: “Yo también existo”. Agradeció ver una pequeña historia sobre seres humanos y cuestiones íntimas y existenciales.
Eso significó mucho para mí. Creo que las historias cotidianas también merecen espacio. La gente todavía vive, ama, se separa y se cuestiona incluso en tiempos difíciles. No creo que todas las películas deban representar el trauma de toda una nación. Estas historias tranquilas también importan.
La película recibió un apoyo clave del Doha Film Institute, el Red Sea Film Fund y otros. ¿Qué aportó ese apoyo al proyecto?
Doha fueron los primeros patrocinadores, también apoyaron mi primera película y esa confianza significó mucho. Empezar una película en el Líbano es extremadamente difícil dada la crisis económica y la falta de una infraestructura industrial sólida. Red Sea nos apoyó en la postproducción exactamente en el momento que lo necesitábamos para terminar la película.
También me sentí parte de una comunidad cinematográfica regional en lugar de estar aislado. Y nada de esto hubiera sido posible sin Placeless Films. Lara Abou Saifan y el equipo de producción confiaron en el guión desde el principio. Nunca tuvimos que pelear por la visión. Por casualidad, también nos convertimos en un equipo de producción y dirección exclusivamente femenino, lo que creó una asociación muy cálida y colaborativa.
