NUEVA YORK — Una de las primeras imágenes que vemos en «Costume Art», la nueva exposición de moda que se inaugurará el lunes en la Met Gala, es un brillante vestido columna de Dolce. & Gabbana, con sus brillantes lentejuelas doradas rodeando una imagen de Afrodita.
La diosa griega está de pie sobre un pedestal, sosteniendo una manzana dorada que le fue otorgada por su belleza: un ideal clásico de belleza tan antiguo como, bueno, la antigua Grecia.
Pero la idea del «arte de vestuario», que examina el cuerpo vestido a través de siglos de historia del arte, no es celebrar la forma clásica. Más bien, dice Andrew Bolton, curador del Instituto de Vestuario del Museo Metropolitano de Arte desde hace mucho tiempo, se trata más bien de utilizar esa forma como plataforma de lanzamiento.
«Ahora revisamos y recuperamos el cuerpo», dice, guiando a un periodista a través de las nuevas y relucientes galerías Conde M. Nast que inaugurará la exposición.
El cuerpo corpulento. El cuerpo discapacitado. El cuerpo embarazado. El cuerpo que envejece. El nuevo espectáculo, que los invitados a la gala verán antes de su apertura al público el 10 de mayo, es el espectáculo más conscientemente positivo para el cuerpo que haya intentado el museo. Quizás su característica más destacada sea un grupo de nuevos maniquíes, basados en personas reales con una amplia variedad de tipos de cuerpo.
Incluso hay, en la sección «cuerpo envejecido», una enorme sudadera con capucha gris, adornada con la frase: «ESTOY RETIRADO. (Esto es lo mejor que puedo vestir)». En caso de que estés cansado de todo el asunto del glamour brillante.
Los diseños se exhiben en la exposición del Costume Institute del Museo Metropolitano de Arte, «Costume Art», el sábado 2 de mayo de 2026 en Nueva York.
Foto de Charles Sykes/Invision/AP
Bolton llevó a The Associated Press a través de la exhibición a fines de la semana pasada mientras un enorme equipo de instaladores estaba ocupado martillando, clavando, posando y ajustando los 400 artículos en exhibición. Éstos son algunos de los aspectos más destacados.
Un nuevo espacio, dando a la moda su merecido
El año pasado, la Met Gala, una recaudación de fondos para el Costume Institute, recaudó una cifra récord de 31 millones de dólares. Esa suma gigantesca por sí sola (crece cada año) puede explicar por qué el museo ha concedido a su único departamento autofinanciado algunas excavaciones nuevas y destacadas, construidas a partir de un antiguo espacio comercial en el piso principal del museo, justo al lado del Gran Salón. «Estamos en el epicentro del museo», señala Bolton, con evidente orgullo. Albergará todas las futuras exhibiciones de moda, haciéndolas más accesibles para los invitados y permitiendo que los desfiles duren más tiempo; «Arte de vestuario» estará activo durante 8 meses.
La universalidad de… la diversidad.
La muestra viaja a través de siglos de historia del arte combinando objetos de arte con prendas de moda, argumentando que la moda no sólo es arte (ese es, de hecho, el código de vestimenta de gala), sino que, más profundamente, el arte es moda. Su primera galería principal lleva el título «El ser corporal en su diversidad» y comienza con vestidos fluidos de estilo griego, combinados con imágenes en jarrones o frascos griegos. Pero la exhibición pronto pasa de las formas clásicas a aquellas que la moda tradicionalmente ha ignorado.
El cuerpo embarazado, al descubierto
Bolton sostiene que el cuerpo embarazado ha sido ignorado o estereotipado en el arte. Aquí presenta a diseñadores -a menudo mujeres, que trabajaron a finales del siglo XX o después- que han explorado y acentuado la forma expectante. El llamado «vestido de embarazo» de la diseñadora británica Georgina Godley, que apareció en su colección «Bump and Lump» de 1986, es una sencilla celebración del vientre extendido de la embarazada. Se combina con una rara (para la época) escultura de 1920 del artista francés Edgar Degas, «Mujer embarazada», una figura desnuda que se sostiene el vientre y parece reflexionar sobre lo que está por venir.
El cuerpo corpulento, sin trabas
Las prendas expuestas aquí incluyen la corsetería de la diseñadora Michaela Stark, quien posó para tres de los nuevos maniquíes. Uno de ellos muestra el conjunto de corsetería «Fat Not Fertile», luchando contra el tropo de que un cuerpo más grande representa reproducción y fertilidad. Stark usa corsés para unir la carne y acentuarla, no ocultarla, para «devolver el poder a la forma femenina». El conjunto se combina con una antigua estatuilla de mármol que se asemeja al mismo tipo de cuerpo.
El cuerpo discapacitado cobra protagonismo
Un subconjunto sorprendente de la sección Cuerpo recuperado explora el cuerpo discapacitado, dividido a su vez en diferentes tipos de discapacidad: física, sensorial y cognitiva.
En un conjunto, un maniquí basado en la atleta, modelo y actriz paralímpica Aimee Mullins usa un par de botas de estilo victoriano de Alexander McQueen, que en realidad son prótesis. El conjunto se combina con una escultura de 1965, «El amputado», de John Gutmann.
La activista irlandesa sobre discapacidad Sinéad Burke, que nació con enanismo, también posó para dos maniquíes. Uno lleva una gabardina de Burberry, cortada a lo largo, e incluyendo parte de una manga desechada, remodelada para convertirla en un tocado. El otro es un vestido de Vivienne Westwood y Malcolm McLaren de «Mickey y Minnie», combinado con una antigua estatua egipcia de un enano bailando.
La modelo y activista Aariana Rose Philip, que utiliza una silla de ruedas, también posó para un maniquí, colocado en su propia silla, vistiendo un par de pantalones cortos vaqueros y una camiseta con el lema: «Queer Capital». La exposición va acompañada de una obra de la artista Lucy Jones, quien, al igual que Philip, vive con parálisis cerebral.
Un abrigo de la diseñadora escocesa Nadia Pinkney, que rindió homenaje en su colección «Remember Me Knot» a su abuela y a su bisabuela, que padecía Alzheimer, explora una discapacidad menos visible. El patrón del pelaje, derivado, según los curadores, de escáneres cerebrales, pretende reflejar los «enredos fisiológicos» que la enfermedad inflige en la estructura del cerebro.
Se combina con una litografía de Willem de Kooning, cuya propia experiencia con el Alzheimer afectó su trabajo al final de su carrera.
El cuerpo vital: colorido y sangriento
La segunda galería principal está dedicada no tanto a la diversidad sino a los puntos en común: aquellas cosas que nos unen a todos. Como el envejecimiento, que el programa busca replantear como «un modo de sofisticación en lugar de declive biológico». Y la mortalidad. También hay una sección entera sobre sangre.
Esto incluye la chaqueta de noche «Martyr to Love» de Westwood, donde cuentas brillantes representan un torso musculoso y cuentas de color rojo intenso representan sangre que gotea de una herida. Se combina con «El hombre de los dolores con los brazos extendidos» del pintor alemán Alberto Durero.
«Costume Art» se abre al público el 10 de mayo y se extenderá hasta el 10 de enero de 2027.
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