ALERTA DE SPOILER: La siguiente reseña contiene spoilers leves.
Durante décadas, el sistema de clasificación de películas de la Motion Picture Association (ideado por los estudios estadounidenses para asesorar a los padres y evitar la censura) ofreció pautas claras sobre si el material contenido en cualquier estreno de Hollywood era apropiado para los niños. La organización estaba principalmente preocupada por el sexo y la violencia, aunque también advirtió al público sobre algo vagamente descrito como “situaciones adultas”, que los espectadores jóvenes podrían encontrar abrumadores o difíciles de procesar.
Lo más destacado de este año Festival de Cine de Sundance competencia, tanto en términos de audacia del tema como de madurez de ejecución, “josefina» es una película en la que el niño del mismo nombre (encarnado vulnerablemente por el recién llegado Mason Reeves) se ve prematuramente obligado a lidiar con situaciones adultas. Inspirada en eventos traumáticos de la propia infancia de la escritora y directora Beth de Araújo, es la historia de una niña de 8 años que es testigo de algo que ningún niño debería ver (una agresión sexual entre dos extraños) y su consiguiente lucha por darle sentido a un crimen que no puede comenzar a comprender.
Un domingo por la mañana temprano, mientras corre por el parque Golden Gate con su padre (Channing Tatum), Josephine toma un camino equivocado. Desde su lugar en una colina, observa a un hombre extraño que sigue a una corredora hasta uno de los baños públicos. Luego vienen los gritos. Cuando la mujer sale, su agresor la tira al suelo, le arranca la ropa y la domina. Incluso (o quizás especialmente) visto desde la distancia, el ataque es inquietante de ver, y aunque el culpable es rápidamente detenido, gracias a la rápida acción del deportista padre de Josephine, el daño ya está hecho.
«Josephine» eventualmente desarrolla una gran escena en la sala del tribunal donde su personaje principal acepta valientemente testificar, pero de Araújo parece menos preocupada por el veredicto (que la película oculta) que por reconocer cómo la experiencia impacta a Josephine, remodelando su forma de ver el mundo en el futuro. Desarrollado a través de Sundance Labs, el segundo largometraje de de Araújo (después del impresionante thriller de una sola toma de 2022 “Soft & Quiet”, sobre supremacistas blancos escondidos a plena vista) se ajusta al tema dominante del festival de este año: afrontar el trauma, pero lo hace de una manera psicológicamente compleja.
Como la madre de Josephine (Gemma Chan) finalmente le dice a su hija, no hay manera de vivir la vida sin que sucedan cosas malas: “Es tu responsabilidad arreglar tu propio dolor”, dice, y en ese consejo,
Puede sonar extraño usar la palabra “sutil” para describir una película que comienza con un asalto brutal y, sin embargo, el sensible guionista y director sobresale en la construcción de una experiencia humana universal a partir de detalles increíblemente específicos (ya sean extraídos de la memoria, la investigación o la imaginación). Los momentos inmediatamente posteriores al crimen son especialmente poderosos, ya que el cineasta nos pone en el lugar de Josephine. «¡No te muevas!» ordena su padre, que también es el título del segmento autobiográfico de De Araújo para The Moth, antes de correr tras el delincuente.
Dejada atrás con un oficial de policía, Josephine debe haber sentido que ella era la castigada, ya que él la encerró en la parte trasera de su patrulla con la sobreviviente (Syra McCarthy). El momento se prolonga en una especie de eternidad, marcada por detalles táctiles: buscar el cinturón de seguridad, querer consolar a esta mujer que llora, identificarse con un insecto atrapado contra la ventana. En un momento revelador, Josephine parece sentirse útil cuando se le pide que encuentre el lazo para el cabello de la mujer entre la maleza. Y luego está el largo momento, que la perseguirá durante el resto de la película, en el que mira al sospechoso (Philip Ettinger).
Criada en un hogar en el que nunca se hablaba de sexo, Josephine no tiene forma de entender lo que había visto. (Al ver la escena por segunda vez, es admirable reconocer cómo De Araújo protegió a su estrella infantil de la verdad de lo que estaba interpretando. Aún más impresionante es cuánto transmite Reeves sin saberlo completamente.) A medida que la ignorancia de la niña genera más consecuencias, desde su mal comportamiento en la escuela hasta la forma en que mira a hombres desconocidos a partir de ese momento, la habilidad del cineasta surge al abrazar una cierta ambigüedad.
En lugar de imponer una interpretación a su audiencia, de Araújo confía en nosotros para darle sentido a las mentalidades contradictorias, si no francamente contraproducentes, de sus personajes. Por ejemplo, aquí nadie tiene la menor idea de cómo tratar a Josephine después del incidente. Cuando le pregunta a su papá: «¿Qué estaba haciendo ese hombre?» Inmediatamente cambia de tema, actuando como si nada hubiera pasado. En casa, la madre de Josephine reconoce la tradición familiar de evitar temas difíciles y la describe como la razón por la que nunca acude a su propia madre en busca de ayuda cuando es adulta. Y, sin embargo, no puede hablar de lo sucedido con su hija, quien claramente está desesperada por una explicación.
Al escuchar una palabra desconocida (pero sin saber cómo deletrearla), Josephine escribe RAIP en el motor de búsqueda, investigando el concepto «de violación» por su cuenta, lo cual cualquiera puede estar de acuerdo es la forma incorrecta de aprender. Su madre sugiere que lleven a Josephine a un psicólogo (una respuesta que un niño podría malinterpretar como algún tipo de castigo), mientras que su padre, quien la adversidad nos hace más fuertes, inscribe a Josephine en clases de defensa personal. A partir de aquí, uno de los desarrollos más matizados de la película es cómo la niña gravita hacia (o rechaza) a cada uno de sus padres en diferentes etapas. Podría decirse que la escena más conmovedora de la película ocurre entre Josephine y su madre en el auto, cuando la niña pregunta sin rodeos: «¿Alguna vez te violaron?». y la verdad llega indirectamente, contradiciendo su respuesta, a través de una sola lágrima.
“Josephine” ofrece múltiples motivos para que el público llore, y casi todos provienen de momentos de solidaridad. (La directora enfrentó su propio trauma ofreciéndose como voluntaria para una línea directa de crisis, y esa experiencia claramente informa su guión). En su testimonio para “The Moth”, de Araújo describe que nunca logró cerrar la relación con el sobreviviente de la agresión que conoció cuando era niña. Como para rectificar eso, le da a Josephine su momento en la corte, donde la niña es interrogada por una abogada escéptica (Dana Millican), así como una reunión simbólica cerca del final de la película. En la vida real, el padre de De Araújo advirtió: “No eres un recuerdo agradable para ella”.
Si bien algunos pueden encontrarlo desencadenante, “Josephine” se atreve a confrontar la desgarradora intersección del sexo y la violencia en nuestra cultura, enfrentando las “situaciones adultas” más difíciles con ojos claros.
