Tilda Swinton trazó una clara línea entre el cine y la inteligencia artificial en una clase magistral del Festival de Cine de Cannes, argumentando que la IA representa una amenaza genuina sólo cuando los cineastas optan por lo predecible.
«Creo que mientras lo que no estemos produciendo sea formulado y de alguna manera agotador para la audiencia, la IA no tiene ninguna posibilidad», dijo Swinton durante una amplia conversación en el escenario moderada por Didier Allouch. «Pero mientras podamos seguir haciendo eso, tenemos que tener cuidado».
Y añadió: «Lo que tenemos que hacer es lo que sólo los humanos pueden hacer: crear experiencias desordenadas y aventureras para que el público no sepa lo que viene después y disfrute de esa experiencia».
El argumento, insistió, no se trataba simplemente de streaming versus cine, sino del costo fundamental de aburrir a una audiencia. Swinton evocó la frustración específica de un cinéfilo que ha pagado un viaje, una entrada y una comida sólo para reconocer una película que siente que ya ha visto cuatro veces. «Eso es lo que debemos tener en cuenta», dijo.
El cine, argumentó, había sobrevivido a todos los momentos anteriores de supuesta obsolescencia (sonido, color, televisión, vídeo y streaming) y sobreviviría a éste, siempre que permaneciera en manos de personas dispuestas a correr riesgos. «Ella es una empresa humana», dijo. «Los humanos hacemos cine, ¿verdad?»
Gran parte de la sesión se dedicó al relato de Swinton sobre cómo esa actividad humana había dado forma a su propia trayectoria, comenzando con el fallecido cineasta británico Derek Jarman, con quien hizo su primer largometraje, «Caravaggio», en 1985. La atmósfera en el set de Jarman, dijo, era de propiedad colectiva radical, plasmada en una máxima que atribuyó al director: «Vas al set todos los días como si fueras a una fiesta. Y como si estuvieras organizando una fiesta».
Describió el efecto práctico de ese espíritu en los colaboradores que desde entonces se han convertido en figuras importantes en sus propios campos. La diseñadora de vestuario Sandy Powell tenía 24 años cuando Jarman le entregó la responsabilidad de las escenas del clero papal en “Caravaggio”, con aproximadamente £500 e instrucciones para encargarse ella misma de la tarea. Al compositor Simon Fisher Turner, contratado inicialmente para elegir extras de los cafés del East End, se le dijo a mitad de producción que él escribiría la banda sonora de la película. “Él hizo de todos nosotros cineastas”, dijo Swinton. “No digo que necesariamente nos hizo directores, pero sí nos hizo responsables de nuestro trabajo”.
Swinton también reveló que se están reuniendo en un documental imágenes nunca antes vistas del rodaje de 1990 de “Edward II” de Jarman, grabadas por el entonces asistente de cámara Seamus McGarvey, ahora un director de fotografía establecido. El material salió a la luz a principios de este año y ella no dio una fecha de lanzamiento. Por otra parte, una exposición en un museo que montó recientemente en la Fundación Onassis de Atenas, tras una exposición en el Eye Filmmuseum de Ámsterdam, incorporó imágenes en Super 8 recientemente recuperadas del archivo Jarman junto con nuevos trabajos de ocho de sus colaboradores de larga data.
La muerte de Jarman en 1994, dijo Swinton, la dejó en una verdadera pérdida profesional antes de encontrar nuevas familias trabajadoras. El primero de ellos que describió en detalle comenzó en Cannes, cuando invitó a Bong Joon Ho a desayunar en su hotel después de conocer sus primeras películas, incluidas “Memories of Murder” y “The Host”. Cuando Bong dijo que su próximo proyecto no tenía ningún papel obvio para ella, dejó el asunto en paz. Semanas después volvió a llamar. «Hay una persona en este guión», recordó que él dijo, «pero está escrito Ministro Mason, un hombre de modales apacibles y trajeado». Su respuesta fue inmediata: “Déjamelo a mí”. Deberá ver a Bong en Seúl la próxima semana.
Jim Jarmusch, dijo, trajo los instintos de un músico al set: avanzando sin prisas durante los días de producción, filmando tarde y reescribiendo en tiempo real. Swinton recordó el argumento de su proyecto de zombies “The Dead Don’t Die”: “La próxima será una película de zombies, y he escrito un papel para ti: se llama Zelda Winston y es una directora funeraria samurái escocesa que empuña una espada y que al final es absorbida por una nave espacial”.
La colaboración de Luca Guadagnino en “Suspiria” implicó un tipo diferente de experimento. Ella dijo que Guadagnino le dijo: “Mi sueño es que las únicas personas en la película sean mujeres, que todos sean interpretados por mujeres, incluido el hombre”. En consecuencia, Swinton asumió el único papel masculino de la película: el psiquiatra.
Con Wes Anderson, el juego era una transformación física. Swinton describió que le pidieron que interpretara un personaje de unos 90 años –en referencia a su papel de la anciana Madame D. en “El gran hotel Budapest”– y luego se preguntó si elegir a una auténtica estrella de cine nonagenaria podría ser la solución más económica. Anderson se mantuvo firme. “Quiero decir, lo hago con él porque lo amo”, dijo. «Es un amigo mío».
En el caso de Joanna Hogg, en cambio, la obra comienza sin guión. «Improvisamos todo nuestro diálogo», dijo Swinton, «lo que significa que tienes que comenzar desde un estado de tranquilidad para que las palabras surjan dentro de ti».
Swinton reflexionó extensamente sobre la adaptación de Sally Potter de 1992, “Orlando”, y describió el texto original de Virginia Woolf como “una pepita de kriptonita contra la intolerancia” en virtud de su insistencia en la fluidez, tanto de género, clase y nacionalidad. Ella rechazó las lecturas de la película como simplemente una historia sobre la transición de género, argumentando que su tema real era la falta de fijación en un sentido más amplio. “No se trata sólo de que un hombre se convierta en mujer, algo fijo”, dijo. «Se trata de falta de fijación».
La película se hizo bajo considerable presión financiera. Ella, Potter y el productor Christopher Sheppard llegaron a Cannes en 1989 sin respaldo, comiendo una vez al día y compartiendo una sola habitación de hotel entre los tres. Los financistas permanecieron desinteresados hasta que presentaron el proyecto en Rusia, donde una nueva productora independiente de San Petersburgo fue la primera en comprometerse. “Fue la primera coproducción internacional: creo que rusa, holandesa, francesa, italiana, británica y alemana”, dijo Swinton.
También defendió su voto del jurado de Cannes de 2004 – bajo la presidencia de Quentin Tarantino – para otorgarle a “Fahrenheit 9/11” de Michael Moore la Palma de Oro, identificándose como una firme defensora interna. “Fue una elección del cine como refugio, como refugio y como espacio donde todos nos reunimos de forma segura para cambiar de opinión”, dijo.
Swinton confirmó que actualmente está trabajando en dos películas con Apichatpong Weerasethakul. Uno de ellos, “Jengira’s Magnificent Dream”, que protagoniza junto a Jenjira Pongpas, Sakda Kaewbuadee y Connor Jessup, se anunció el año pasado y su producción está prevista para Sri Lanka. También está en desarrollo un segundo proyecto. Ya lleva dos años sin un largometraje completo. «Es un gran logro», dijo.
La clase magistral fue presentada por el director artístico de Cannes, Thierry Frémaux.
