Por qué a los directores Chloé Zhao y Alfonso Cuarón les encanta asumir tareas adicionales de BTS

Dirigir una película puede parecer un trabajo agotador, un verdadero trabajo de amor. Pero para algunos directoresesa pasión los obliga a asumir cada vez más responsabilidades en sus funciones, no solo porque no pueden ceder el control, sino porque se deleitan con todo el proceso de narración.

Algunos, como Josh Safdie (“Marty Supreme”) Chloé Zhao (“Hamnet”) y Kelly Reichardt (“The Mastermind”) editan sus películas; a principios de este año, Sean Baker (“Anora”) se convirtió en el segundo director en ganar un Oscar por el montaje, después de Alfonso Cuarón para «Gravedad». Algunos directores incluso desempeñan dos funciones en el set, ya sea como actores, como Bradley Cooper (“Is This Thing On?”) o como directores de fotografía, como Steven Soderbergh y Zack Snyder. La superposición más pequeña del diagrama de Venn probablemente sea la de directores que escriben sus propias partituras, con Charlie Chaplin, Clint Eastwood y John Carpenter a la cabeza.

Que los directores actúen como editores es el movimiento más natural porque es una extensión crucial de la narración.

“En el montaje es donde realmente nace el significado de la película, así que no puedo alejarme físicamente del material”, dice Kaouther Ben Hania (“La voz de Hind Rajab”).

Aun así, convertirse en editor suele empezar de forma más orgánica. “En la escuela de cine, si no editabas tu película, nadie lo hacía por ti, y en tu primera película, también terminas editando por necesidad”, dice Cuarón.

Reichardt contó en una entrevista por correo electrónico que apenas tenía dinero suficiente para rodar “Old Joy”: “Sin fondos para contratar a un editor, corté la película yo misma”.

Ahora Reichardt edita sus películas por elección propia, con el deseo de estar presente a medida que evolucionan nuevas ideas en la sala de edición. «No me gusta perderme ninguna parte del proceso», dice. «La edición es un lugar de descubrimiento. Todavía me sorprende cómo unos pocos fotogramas de esta o aquella manera pueden cambiar el ambiente de una conversación o la tensión de una escena. Simplemente no quiero perderme nada de eso».

Si Reichardt tuviera un editor, se sentiría frustrada. «Estaría sentada en un sofá viendo a otra persona cortar y eso sería muy aburrido», dice.

Ben Hania trabaja con otros editores y confía en sus ideas, pero sobre todo desde el principio, dice: «Necesito experimentar sola para probar cosas».

Reichardt y Cuarón, sin embargo, dicen que si bien a menudo comparten su trabajo con sus colaboradores, han aprendido a ser despiadados con sus propias imágenes.

«No valoro el metraje porque se ve bien o porque fue el día más difícil del rodaje o el más caro», dice Reichardt. «He eliminado secciones enteras de una película con actores que adoro. Si no estoy seguro de algo, intento vivir sin ello. Si su ausencia no me atormenta, lo dejo fuera».

Cuarón dice que cuando monta su primer montaje, se deja puesto el sombrero de director para darle forma a la historia más amplia. “Entonces echo al director y me vuelvo despiadado”, dice. “No me importa lo difícil que fue llegar a esa toma o lo hermosa que sea la luz o que me tomó dos días lograrlo”.

A veces ni siquiera los directores que entregan sus películas a los editores pueden decir nada. Carpenter dice que a veces sentía una «compulsión» de editar ciertas escenas. “En ‘Big Trouble in Little China’, edité la gran pelea en el callejón porque tenía que tenerla en mis manos”, recuerda.

Carpenter es mejor conocido por ser su propio compositor, lo que, al igual que la edición de Reichardt, nació de la necesidad. «Al principio no tenía dinero para buenos compositores y mi padre me había enseñado violín y piano y cosas así; solo tenía habilidades medianas, pero una vez que conseguí un sintetizador podía sonar como una orquesta», dice, y agrega que fue su padre quien le enseñó el tiempo de 5/4 que usó para escribir su icónico tema de «Halloween» después de que una proyección inicial no se considerara lo suficientemente aterradora. Continuó escribiendo partituras porque, si bien dirigir es su primer amor, «es jodidamente difícil y conlleva mucha presión, pero escribir música es muy divertido».

El mayor desafío para los directores con múltiples guiones es hacer malabarismos con los roles en el set. Ben Jacobson coescribió y coprotagonizó su primera película “Bunny” con su mejor amigo Mo Stark, pero Jacobson tuvo que cambiar de tema constantemente. Lo hizo en parte porque habían escrito su personaje, Dino, como «una versión de mí mismo: una persona amigable y obsesionada con las películas que es un poco impulsiva», y no podía ver a nadie más en el papel, y en parte porque «quería jugar a disfrazarse con mi mejor amigo».

Aún así, una vez que las cámaras comenzaron a grabar, dice: «A menudo deseaba no estar actuando» para poder concentrarse en su dirección. Tendría que apoyarse en su tercer guionista, Stefan Marolachakis, para mirar en el monitor y evaluar su actuación como actor en cada escena. Mientras él y Stark preparan su próxima película, Jacobson planea asumir un papel actoral mucho más pequeño. Pero si un productor dijera que le gusta su química con Stark y quería otra comedia de amigos, lo consideraría. “Depende de si nos dan dinero o si pagan por la película”, dice Jacobson riendo.

Snyder dice que cuando pasó del trabajo comercial en el que operaba la cámara a dirigir películas, le dijeron que ser director de fotografía sería demasiado trabajo. «No sabía nada sobre el negocio del cine, así que dije que sí», recuerda. Pero en “Dawn of the Dead” y luego en “300”, a menudo tomaba la cámara B o manejaba una pequeña segunda unidad mientras sus directores de fotografía iluminaban un gran escenario. “Nos moríamos por filmar todo a tiempo, así que simplemente decía: ‘Déjame disparar para que avancemos’”.

A medida que sus presupuestos crecieron, esas oportunidades disminuyeron. «Con películas gigantes como ‘La Liga de la Justicia’, se vuelve tan grande que te alejas más de la producción real», dice. “Eso realmente me frustró porque realmente soy más feliz cuando tengo una cámara en la mano”.

Siempre confió en sus directores de fotografía y los animó a “flexionar sus músculos artísticos”, pero en los últimos cinco años, comenzando con “Army of the Dead”, hizo películas más pequeñas e insistió en ser su propio director de fotografía. «Ha sido la experiencia más liberadora y feliz; este es el motivo de hacer películas para mí», dice.

Aún así, reconoce que es agotador. “Nunca paras”, dice. «Desde el momento en que entras al set hasta el momento en que finalmente llamas al final, si eres el director y el director de fotografía, nada puede suceder sin ti, por lo que estás disponible las 24 horas, los 7 días de la semana».

Quizás por eso tan pocos directores cumplen una doble función y sólo uno, Cuarón, ha ganado un Oscar por cinematografía. Eso fue para “Roma” y sucedió por accidente. Cuarón siempre ha rodado algunos días de sus propias películas para mantener el movimiento y también lo ha hecho para sus amigos. Pero con “Roma” volvió a contar con Emmanuel “Chivo” Lubezki, con quien había trabajado en cinco largometrajes. (Lubezki ganó un Oscar por “Gravity”). Pero apenas unas semanas antes de que comenzara el rodaje, Lubezki se dio cuenta de que había un conflicto de programación.

Cuarón le pidió que le recomendara otro director de fotografía. «Dijo: ‘Tengo a la persona perfecta. Tú'». Intimidado, Cuarón habló con otros directores de fotografía que admiraba, pero se dio cuenta de que «todas las conversaciones iban a ser en inglés y para esta película quería sumergirme por completo en mi idioma y mis recuerdos».

Sin Lubezki cerca, hubo cierta tensión en el set. “El director pensó que el director de fotografía era muy lento y el director de fotografía pensó que el director era un imbécil”, informa irónicamente Cuarón. Pero añade que, aunque no se imagina volver a afrontar dos trabajos a la vez, «me encantó. Probablemente disfruté de ‘Roma’ más como director de fotografía que como director».