Las peores películas de 2025

El caótico y dispéptico desastre de un drama histórico de Ron Howard nos lleva a una de las Islas Galápagós en 1929, donde nos juntamos con un quinteto de personajes que evolucionan de excéntricos a desagradables e insoportables. Como médico que ha rechazado la sociedad europea y está diseñando un nuevo orden mundial para ocupar su lugar, Jude Law desciende a un mal humor teutónico, como un retorcido monomaníaco de los años sesenta. Lo más extraño de la película es que de alguna manera espera que lo encontremos identificable. Un “Robinson Crusoe” surrealista se encuentra con una comedia de situación “¿Quién teme a Virginia Woolf?”, con notas a pie de página desquiciadas de Friedrich Nietzsche; la película se titula “Eden”, pero debería haberse llamado “Paisaje infernal sin fin y serpenteante”.

Los videojuegos no tienen por qué tener sentido. Las películas, por otro lado, sí lo hacen, y la segunda entrega de la extrañamente descuidada imitación de la franquicia del popular videojuego de terror kitsch es incluso peor que la primera. Es una película slasher sin sangre, sin sustos ni tensión. Es una historia de los fantasmas de niños asesinados que viven en las mascotas animatrónicas de Freddy Fazbear’s Pizza, pero hay una historia de fondo tan complicada que los fantasmas quedan en un segundo plano. Principalmente, les da a los jugadores la oportunidad de contemplar versiones de heavy metal de 10 pies de alto de esas mascotas, que la película muestra como los globos del Desfile del Día de Acción de Gracias de Macy, como si simplemente demostración ellos fue suficiente. Al menos fue suficiente para vender muchas entradas, por lo que ahora nos espera la tortura de una tercera ayuda en la gran pantalla.

Es posible que hayas oído que es visionario, fascinante, ferviente, tumultuoso y feroz. Pero no siempre puedes creer lo que escuchas. La palabra que mejor describe el musical de sueños febriles del siglo XVIII de Mona Fastvold sobre el fundador de la secta Shaker es embrutecedor. Es una película que intenta ser audazmente austera, pero es tan laboriosa y dispersa que ver los 137 minutos es un ritual de penitencia. Ann Lee, la líder religiosa mesiánica interpretada por Amanda Seyfried, crece en Manchester, Inglaterra, donde queda tan traumatizada al vislumbrar a sus padres fornicando que desarrolla una visión completa del mundo a partir de ello. (La cosmovisión es: Sexo: ¡malo!) A medida que crece y funda una religión que es como “El cuento de la criada”, confundida con una utopía feminista, Fastvold se apoya en la solemnidad retorcida de la dinámica de grupo, que en cierto modo defrauda esa cosa llamada drama. ¡Ah, pero los números musicales! Seguramente ellos ¿Debe elevarse la película a un lugar que transporta audacia? En realidad, los números suenan como algo sacado de “The Crucible” organizado por Corky St. Clair. Surgen del flujo de reverente monotonía, pero no lo interrumpen.

Si, por alguna razón, has estado anhelando ver un retrato de una estrella del pop que hace que el sombrío y serio Bruce Springsteen, de Jeremy Allen White, que trabaja en su casa, parezca el alma de la fiesta, no busques más que este drama de proyecto de vanidad enloquecedoramente pretencioso sobre un ídolo del pop que se mira el ombligo y se encuentra en medio de un ataque de nervios. Lo interpreta The Weeknd, quien se pavonea y practica sombras, pero principalmente se deprime, llora, mira al vacío, esnifa cocaína en los nudillos de su manager y se clava a sí mismo en la cruz de su angustia. «No eres un ser humano normal, hermano», dice el gerente (Barry Keoghan). No, no lo es; es un narcisista minimalista que posa y manchado de lágrimas. El director, Trey Edward Shults, presenta este complemento del álbum de 2025 de The Weeknd orquestando una pesadilla de vaguedad paranoica de “Shining”/”Barton Fink”, bañando todo el asunto en pesados ​​acordes de sintetizador, de modo que suena como si Enya estuviera colaborando con György Ligeti en el vientre de una ballena. El resultado puede ser el psicodrama de estrella del pop más grandioso y trivial desde “Under the Cherry Moon”.

¿Qué convenció finalmente a Daniel Day-Lewis de su autoimpuesto retiro de la actuación? El deseo y la oportunidad de ayudar a su hijo de 27 años, Ronan Day-Lewis, dándole un alto perfil brillante al debut como director de largometraje de Ronan. Como acto de devoción paternal, eso es algo incuestionable. Desafortunadamente, lo que el mayor de los Day-Lewis terminó llamando la atención fue un mortal juego de dos jugadores en los bosques en el que interpreta a un ermitaño canoso, y Sean Bean es el hermano separado que llega a la cabaña de su hermano para llevarlo de regreso a la civilización. La película es una empapada pieza de inercia artística sobre los lazos familiares fracturados, el IRA, el abuso sexual infantil dentro de la Iglesia Católica, los problemas con los Problemas, el significado de la anémona (es una flor)… suficientes «temas», en otras palabras, para hacerte pensar que en una vida pasada, el personaje de Day-Lewis estuvo en el centro de un fracaso de los noventa producido por Miramax.

Es el fin del mundo tal como lo conocemos y… el director Mike Flanagan se siente bien al ofrecer aforismos artificiales y de galleta de la fortuna sobre cómo incluso los más unidimensionales entre nosotros «contienen multitudes». Sin dejar espacio para que el público saque sus propias conclusiones, la manipulación emocional comienza con la dura partitura de piano y cuerdas de los hermanos Newton, que puntúa cada momento falso y profundo con un golpe. La narración campechana de Nick Offerman borra aún más cualquier apariencia de realismo, colocando capas de melaza sobre savia. Y eso es antes de que conozcamos a un idiota llamado Chuck (Tom Hiddleston), cuya “vida” falsa y tonta supuestamente cobra sentido esa tarde aleatoria en la que espontánea e inconscientemente decidió mostrarse blando en público. Su kilometraje puede variar (después de todo, la película ganó el premio del público en el Festival de Cine de Toronto de 2024 y está basada en una novela muy querida de Stephen King), pero no compré ni un segundo, y considerando la irritante conferencia de Chiwetel Ejiofor sobre el significado del tiempo, quiero recuperar los preciosos 6.643 segundos que desperdició esta película.

Una hazaña impresionante para un artista solitario, el libro ilustrado de ciencia ficción de Simon Stålenhag reúne impresionantes pinturas de una América retro-futurista, en la que enormes droides se ciernen sobre paisajes desiertos; imágenes que son tan cinematográficas como la última toma de “El planeta de los simios”, en la que los personajes tropiezan con una Estatua de la Libertad medio sumergida. Entonces, ¿por qué crean cuadros tan desalmados cuando los hermanos Russo los traducen a CG? Los aparentemente imparables hermanos diluyen la visión post-apocalíptica de Stålenhag con una trama absurda en la que el cerebro de un niño en coma sirve inexplicablemente para alimentar toda la red. En la página, los robots no hablan, mientras que la versión cinematográfica arruinada por Russo les imbuye de voces desagradables y frases “peculiares”. Los personajes humanos resultan aún más molestos, ya sea Chris Pratt, un perezoso en la elección del reparto, bromista como una especie de Snake Plissken de bajo costo, o el giro ni siquiera remotamente amenazador de Stanley Tucci como un villano tipo Steve Jobs. Aquí hay algunos consejos aprobados por Apple para los hermanos que queman su presupuesto y cuya basura posterior a “Avengers” sigue obstruyendo el canal de Netflix: Piensen diferente.

Así como el productor Jason Blum ha acaparado el espacio del terror de bajo presupuesto, produciendo tonterías que seguramente pertenecen a esta lista (“Black Phone 2” fue excelente, “Megan 2.0” no tanto), el genio ruso de los efectos visuales Timur Bekmambetov básicamente posee el formato screenlife: thrillers que se desarrollan casi en su totalidad en las pantallas de teléfonos inteligentes o PC. Algunos son inteligentes, como el descubrimiento de SXSW “LifeHack”, mientras que otros parecen soluciones baratas y de bajo presupuesto para ideas cinematográficas más elaboradas. El peor infractor es la versión sub-Prime, directa a Amazon de “La guerra de los mundos”, en la que Ice Cube interpreta al experto en seguridad menos convincente del gobierno de Estados Unidos (lo cual es decir algo en un momento en que los ex presentadores de Fox dirigen el gobierno). En lugar de salvar al país, el rapero utiliza sus habilidades para hackear cualquier pantalla para cuidar a su hijo adolescente y a su hija embarazada. En lo que equivale a un descarado anuncio de Amazon, termina implementando funciones Prime para entregar el virus que salvará al mundo.

Debería haber sido motivo de celebración: diez años después de codirigir la introspectiva película stop-motion “Anomalisa” con Charlie Kaufman, Duke Johnson finalmente hizo su debut cinematográfico de acción real: un misterio existencial inescrutable sobre un actor con amnesia (el más conveniente de los inventos narrativos) que lucha por reconstruir su identidad perdida. ¿Tiene el personaje de André Holland una personalidad más allá de los roles que desempeña? Nada de esto tiene sentido, y no ayuda que el elenco de la película interprete todo en un registro brechtiano tan astuto que todo el ejercicio se siente como mirar dentro de una bola de nieve nublada, filmada como una de esas películas de Frank Miller compuestas enteramente en escenarios sonoros con pantalla verde. El desagradable proyecto se extrajo de una novela de Donald E. Westlake (“Memory”), pero sería mucho mejor ver “No Other Choice”, la adaptación del director coreano Park Chan-wook de “The Axe” de Westlake.

Me alegro de que Steven Soderbergh no hablara en serio sobre retirarse, y supongo que tiene derecho a garabatear como mejor le parezca. El superhéroe independiente tuvo dos películas nuevas este año que realmente adoré: “Black Bag” casi entró en mi lista de las 10 mejores, mientras que “The Christophers” (que presenta un delicioso giro final de Ian McKellen en su carrera) ofrece al público sofisticado algo que esperar en 2026. Pero no tengo nada bueno que decir sobre “Presence”, de la que salí en el Festival de Cine de Sundance de 2024 y no encontré ningún placer en tener que volver a ver en enero pasado. Bajo el seudónimo del director de fotografía Peter Andrews, Soderbergh filmó esta vertiginosa película de casa embrujada desde el punto de vista del fantasma; o eso es lo que dice el gancho de un bostezo de terror aburrido y francamente torpe en el que la cámara se siente más robótica que poseída, intercambiando tensión por tedio.

Si bien no es exactamente horrible, la versión en “acción real” de Disney de la primera película animada del estudio le quita toda la maravilla a la “propiedad” (la Casa del Ratón parece ver todo en términos de propiedad intelectual en estos días, ¿no es así?), reduciendo lo que parecía pura magia a un bloque de Velveeta cinematográfica. ¿De quién fueron la idea de los enanos CG? No tengo ningún problema con el casting de Rachel Zegler, más allá de la total suavidad que aporta al papel, mientras que la energía camp de Gal Gadot habría sido mejor en una película con más personalidad. Es extraño que el inflado tiempo de ejecución no pudiera encontrar espacio para “Someday My Prince Will Come”. Dime: entre esto y una broma de explotación del dominio público como “Screamboat”, ¿cuál es una peor profanación del legado de Disney?