Dos de las voces más imaginativas del cine se unieron en el Festival Internacional de Cine de Busan Para una conversación íntima sobre sus procesos creativos, revelando conexiones sorprendentes entre su trabajo a pesar de estar separado por continentes y culturas.
Guillermo del Toro y Yeon Sang-hoAmbos maestros de mezclar las historias fantásticas con historias profundamente humanas, participaron en una sesión en NetflixConferencia creativa de Asia. La conversación ofreció información sobre cómo ambos directores se acercan a su oficio.
Ambos cineastas trazaron sus orígenes creativos para los encuentros de la infancia con monstruos y animación japonesa. Hablando sobre sus años de formación, Del Toro dijo: «No soy un buen tipo al aire libre. Soy un observador interior, lector, consumidor de medios audiovisuales, narradores de historias. Sabes, si no hubiera películas, me sacarían de un acantilado para morir».
El cineasta mexicano reveló cómo el Tokusatsu japonés dio forma a su visión del mundo: «Así que vimos todas las series, no solo Osamu Tezuka, sino que vimos todas las series de Tsuburaya, Ultraman, Ultraseven, Ultra Q., así que crecí como un niño japonés».
Yeon compartió influencias similares, explicando: «En realidad, creo que es correcto decir que me inspiro en todo en la vida. Pero cuando era joven, en ese momento en Corea, la animación japonesa estaba en la televisión, y no soy un buen deportista».
La conversación se convirtió en sus enfoques para adaptar el material existente. En su adaptación de «Frankenstein» de Mary Shelley, tocando en Busan, Del Toro detalló su relación de décadas con el material fuente: «Vi la película cuando tenía siete años, leí el libro cuando tenía 11 años, y desde entonces hasta ahora, he hecho un punto para estudiar … la vida de los romantics. Percy B. B. Shelley, Lord Byron».
Su filosofía sobre la adaptación es profundamente personal: «Estudias todo eso a través de décadas, décadas y décadas y se convierte en parte de ti. Y luego lo que haces es que cantas la misma canción con tu propia voz con diferentes arreglos y se siente nuevo porque te importa».
Yeon, que está adaptando el manga japonés «The Human Vapor», expresó sorpresa por el profundo conocimiento de Del Toro de las obras japonesas oscuras, incluida la película de 1960 «The Human Vapor», que demuestra la polinización intercultural del cine de género.
Alabando la transición de Yeon de la animación a la acción en vivo, Del Toro lo calificó «muy raro que un director de animación haga una transición tan bellamente a la acción en vivo». Hizo hincapié en la animación como «una forma pura de arte», particularmente stop-motion, que continúa persiguiendo junto con su trabajo de acción en vivo.
Yeon reflexionó sobre las diferentes fortalezas de cada medio: “La animación y la acción en vivo tienen apelaciones algo diferentes. En la animación, existen casi todos los estilos de dibujo. Puede transmitir algo justo a través de la forma de la apariencia, que es un atractivo realmente grande, y dependiendo de cómo se muevan, la forma en que las emotiones se expresan muchos cambios, por lo que tiene un rango más amplio para la transferencia de emotiones. Definitivamente hay un tipo diferente de poder de entrega de eso «.
Continuó: «Desde que ahora estoy haciendo muchas series de películas de acción en vivo, tengo un deseo en un rincón de mi corazón para algún día hacer una animación legendaria como Osamu Tezuka o funciona como aquellos que amaba tanto cuando era joven. Cuando trabajo en proyectos con criaturas, hay algo que tuve al hacer una animación».
Ambos directores compartieron historias sobre adoptar momentos inesperados durante la producción. Al retirando la producción de «Train to Busan», Yeon compartió un ejemplo específico: «Originalmente, dado que hice animación, trato de no dibujar tanto como sea posible. Pero cuando se necesitaba alguna explicación, sí dibujo. El caso más representativo fue cuando se filmamos ‘Train to Busan’, hubo una escena en la que los zombies estaban siendo arrastrados en el final, pero esa escena no existimos. Pasé aproximadamente un día dibujando esa escena.
También compartió otra historia de producción: «Tuvimos una escena pasada, por lo que trabajamos bastante duro para hacer el vestir. Vinimos después de establecerla, pero la noche anterior, había una lluvia increíblemente fuerte. Llovió y todo el lodo fue desechado, y el piso que habíamos establecido se volvió completamente fangoso. Al principio, pensamos que tuvimos mala suerte e intentamos limpiarlo, pero a medida que intentamos limpiarlo en sí mismo. pero hace que la película sea realmente especial «.
Al expandir esta filosofía, Del Toro dijo: «A medida que envejece, aprende a hacerlo, cuando eres un director joven, hablas mucho. Cuando eres mayor, escuchas mucho. ¿Y sabes quién está hablando todo el tiempo? La película … y si aprendes a escuchar, haces una mejor película al darte cuenta de que el accidente te dice que esto es lo que la película quiere ser».
Cuando se le preguntó sobre el mantenimiento de elementos humanos dentro de las espectaculares piezas de set, Del Toro enfatizó que «todo es drama» independientemente de la escala. Describió el cine como «poesía con hardware», explicando cómo elementos técnicos como el movimiento de la cámara y la edición crean un impacto emocional.
«La película es poesía con hardware», dijo. «Tienes una pista de Dolly, tienes una lente, tienes una cámara … estás usando cosas difíciles para producir movimiento sinfónico».
Ambos directores enfatizaron la naturaleza colaborativa de su trabajo. Al señalar que todos los elementos visuales funcionan juntos, Del Toro dijo: «El vestuario es el diseño del escenario. El diseño del set es cinematografía. La cinematografía es el armario. No hay diferencia. Estás creando una sola imagen».
Compartió consejos del maestro de efectos de maquillaje Dick Smith, citando a Laurence Olivier: «Cuando eres un actor en una escena de lluvia, deja que la lluvia haga algo de la actuación por ti». Esta filosofía se extiende a todos los elementos de producción, donde «todo está actuando».
La conversación tocó el manejo de las críticas negativas. Yeon ofreció su perspectiva: «En realidad … siento qué tipo de pensamientos tienen los críticos sobre ciertas obras. Lo siento, y a veces puede haber una brecha entre esa persona y yo. Cuando hay una brecha, trato de respetarlo y entender lo suficiente, pero no tiene una gran influencia en mi trabajo».
Mientras tanto, Del Toro reveló que ya no lee reseñas, positivas o negativas: «Si crees en los buenos, tienes que creer en los malos. Y no quiero».
Hizo hincapié en la profundidad de la conexión sobre la amplitud de la audiencia, compartiendo cómo «Brasil» de Terry Gilliam lo transformó a pesar de tocar en un teatro vacío: «No importa cuántas personas les guste o no. Cambió mi vida».
Al dirigirse al panorama actual de la industria, Yeon dibujó paralelos históricos: «Creo que de esta manera. Dado que hice la animación, aquellos a quienes realmente les gusta la animación lo sabrá, pero solían haber algo llamado Videodeck. Cuando Videodeck comenzó a surgir, un género llamado OVA (animación de video original) comenzó a aparecer en Japón». Señaló que, si bien la transmisión ofrece lanzamiento simultáneo global, las películas teatrales tienen un momento diferente en todos los países y proporcionan diferentes profundidades y métodos de entrega, lo que los hace «completamente diferentes» experiencias.
Centrándose en el «tamaño de las ideas» en lugar del tamaño de la pantalla, Del Toro señaló que el contenido debe funcionar de manera efectiva en entornos de hogar y teatro.
La sesión concluyó con consejos para directores por primera vez. Al ofrecer una metáfora de matrimonio, Del Toro dijo: «Hacer una película no es una cita, es un matrimonio. Así que no te cases tan fácilmente. Cásate con personas de las que realmente te importa».
