El director de “Triángulo de la tristeza” se reunió con Variedad siguiendo su presentación explosiva del tan esperado “El sistema de entretenimiento no funciona”, que podría dirigirse a Cannes en 2026. O en 2027.
No te importan los spoilers, pero ¿por qué revelaste puntos tan cruciales de la trama en el Festival de Cine de Gotemburgo? ¿Incluyendo el final?
Cuando pienso en algunos de los directores que realmente admiro, me gusta cuando me despiertan curiosidad sobre cómo visualizarán las cosas. Cuando veo una película o escucho sobre una gran idea, no me importa cómo termina. Todo lo que quiero saber es: ¿Cómo se hará? Eso es lo que crea mi curiosidad.
Alrededor de 2005, YouTube cambió la forma en que vemos las imágenes en movimiento porque estos videos siempre revelan el final en el título. Sin embargo, todavía haces clic en ellos. Vas al teatro sabiendo cómo terminará “Hamlet”. Cuando oímos hablar de una película, sentimos curiosidad por ver cómo la abordarán el director y su equipo. Hoy en día el cine debe establecer una relación con el público mucho más rápidamente. Cualquier cosa que despierte su curiosidad es algo que puedes utilizar.
Una forma de establecer rápidamente una relación con los espectadores es sorprenderlos. O, al menos, hacerlos sentir incómodos.
El objetivo es hacerlos pensar. Sorprenderlos sólo porque sí no es interesante. Es fácil. Hacerles pensar es la parte difícil. Deben pensar en sí mismos y en los temas que quieren discutir. Siempre tengo que utilizar mis propias experiencias, incluso si no las he vivido yo mismo. ¿Quizás acabo de oír hablar de ellos? Creo que la esencia de ser director es que tienes que mirar dentro de ti mismo y lidiar con tus propias experiencias y dolor.
También mostraste material detrás de escena. ¿Por qué quisiste construir este avión, básicamente desde cero?
Rodar una película en un avión es extremadamente difícil. Si no tienes cuidado, no terminarás con una buena película. Para mi película anterior, yo mismo dibujé las imágenes del guión gráfico. Pero esta vez, imagina dibujar la misma imagen del guión gráfico en un avión, una y otra vez. ¡Sería increíblemente aburrido! Cuando nuestro director de fotografía, Fredrik Wenzel, conoció la realidad virtual, sugirió que la probáramos. Yo estaba en Mallorca, Fredrik estaba en Estocolmo y el escenógrafo estaba aquí en Gotemburgo. Podríamos entrar en este mundo de realidad virtual como avatares, caminar y hablar entre nosotros.
Hablaste de los dilemas que enfrentarán algunos de tus personajes. Una pareja descubrirá la infidelidad. Pasar por algo así en algún lugar donde no puedas esconderte o escapar sería mi mayor pesadilla.
El mío también. Al mismo tiempo, algo que aún no he mencionado, también tomé imágenes fuera del avión. Se puede ver el avión volando a 1.000 kilómetros por hora, a 10.000 metros sobre las nubes. Mientras tanto, en el interior, la gente se pelea por cosas triviales. Es absurdo.
Keanu Reeves Aquí interpreta a un electricista. Ha aparecido en las películas de “Bill & Ted”. [as well as “Good Fortune” in 2025]. Sin embargo, la comedia no es el género con el que más se le asocia, ¿estás de acuerdo?
Sí, exactamente. Tiene una cualidad cómica muy inexpresiva en su actuación y funcionó muy bien. Tengo muchas ganas de ver cómo reacciona el público a su actuación. Se le presenta maravillosamente en la película. Cuando se trata de la señora cuyo marido muere de un infarto, le preguntan: ‘Disculpe, ¿podría cambiar de asiento con la viuda? Está en shock. Y no tenemos lugar para guardar el cuerpo, así que tendrás que sentarte junto al cadáver, ¿sabes? Jugar con la percepción que el público tiene de Keanu Reeves en relación con su personaje en esta película fue muy divertido.
En tu trabajo hablas a menudo de cosas terribles y desagradables. Y luego lo haces divertido.
Estoy feliz de que resulte así. Es absurdo hacer dramas sobre seres humanos. Vamos, que somos bastante privilegiados, ¿no? Cuando miro mi propia vida y los conflictos que he estado enfrentando, parecen bastante triviales. Especialmente considerando que todos vamos a morir.
Hice una retrospectiva en Estados Unidos llamada “In Case of No Emergency” y ese título dice algo sobre mis películas. Básicamente nunca hay ningún peligro físico. Habrá peligro físico en esta película, pero los personajes no se darán cuenta hasta los últimos 15 minutos de sus vidas. Sentimos que ser humano es muy doloroso. Es interesante examinar nuestra mentalidad de rebaño y cuán sensibles somos a la socialización. He estado interesado en eso desde hace mucho tiempo. Desde el día que nacemos, comenzamos a entrenarnos en socialización. Más tarde, es posible simplemente mover los hilos y rápidamente hacer que las cosas sean bastante dolorosas. De todos los sentimientos, la vergüenza es el que se apodera de la mayoría de los procesos cerebrales. Casi podemos sentirlo físicamente.
¿No crees que sentir vergüenza puede ser saludable?
Trump probablemente parecería más comprensivo si pudiéramos ver que alguna vez se avergonzó.
Todo el mundo espera ver esta película en Cannes. ¿Por qué esperar hasta 2027, que, como usted ha dicho, podría ser el caso?
En febrero veremos cuánto tiempo más necesitamos. Como director, lo que sería aún más importante para mí es ver la dinámica del cine cuando la gente lo ve. Necesito poder realizar pruebas de detección porque aquí hay muchos elementos delicados, incluida una secuencia de 15 minutos. Tuve una experiencia dolorosa con “Play” porque no tuve tiempo para las pruebas de detección de antemano. No voy a volver a ponerme en esa situación. Además, quiero maximizar el potencial de mis películas.
Muchos directores europeos, al escuchar “proyecciones de prueba”, simplemente echarían a correr.
Están completamente equivocados porque la experiencia colectiva de estar en una sala de cine cambia el ritmo de la película. No se trata de preguntarle al público: “¿Te gustó esto o aquello?” Se trata de sentarse con ellos como director y sentir la energía en la sala.
Empecé a hacer esto con “Fuerza mayor”, “La plaza” y “Triángulo de tristeza” porque sentí que el cine europeo había perdido su conexión con el público. Era imitar y copiar cierta tradición de autor. Pero si miras hacia atrás, a los años 60, 70 u 80, la conexión con la audiencia era mucho mejor en aquel entonces. John Cleese afinó el humor de “A Fish Called Wanda” después de 12 proyecciones diferentes. No se trata sólo de hacerles las cosas cómodas. Pero es muy ignorante pensar que no es necesario considerar cuidadosamente cómo reaccionará la audiencia.
(La entrevista ha sido editada para mayor claridad y concisión).
