Jamie Adams sobre la dirección de Quentin Tarantino en ‘Only What We Carry’

Cuando el prolífico director independiente galés Jaime Adams Cuando buscó su próxima película, no empezó con un nombre famoso en mente. Comenzó con una epifanía. Durante años, ha tenido un cajón lleno de ideas: esquemas sueltos esperando el momento adecuado. “Only What We Carry” fue uno de ellos. Pero no fue hasta los 40 años, y como padre, que la historia resonó plenamente.

«Cuando tienes 20 años en la escuela de cine, estudias a todos estos grandes artistas. Te animan a admirarlos, a adorarlos», dice. Variedad en su primera entrevista sobre la película. «Pero a medida que pasa el tiempo, todo el mundo empieza a reevaluar quiénes son estos artistas y qué les hemos permitido ser. Muchos de ellos son complicados», dice, citando a Woody Allen, Picasso y Stanley Kubrick.

«Ahora soy padre de tres hijos… Hemos tenido muchas discusiones sobre lo que significa ser un artista y mirar a estas personas con nuevos ojos», dice Adams, quien actualmente está metido hasta las rodillas en la edición. “Only What We Carry” explora ese cambio de una manera alegre, mezclando comedia y drama.

Con su estilo cinematográfico improvisado inspirado en la Nouvelle Vague y su enfoque basado en los personajes, Adams ha atraído a actores como James McAvoy, Martin Freeman y Malin Akerman a sus proyectos.

Pero se ha superado con esta nueva película, representada internacionalmente por International Film Trust en el Mercado cinematográfico europeo. Él fue capaz de tirar Quentin Tarantino desde su retiro para un rodaje de seis días junto Simón PeggCharlotte Gainsbourg, Sofia Boutella, Liam Hellmann y Lizzy McAlpine.

Adams dice que sintió que Tarantino estaba en un momento de reflexión después de dejar de lado un proyecto (“Las aventuras de Cliff Booth”, que Tarantino escribió pero que dirigió David Fincher) y se acercó con su esquema y su carta personal. No esperaba una respuesta, pero dos semanas después, el agente de Tarantino solicitó un Zoom. Adams se conectó, sufriendo lo que él describe como el peor dolor de muelas de su vida, uno que su dentista diagnosticó como psicosomático. «Entonces escuchas su voz», dice Adams. «Es como Disneylandia para los cineastas».

«Tarantino demostró ser un actor excepcional», dice Adams. «Era maravilloso. Curioso. Colaborador. Le encantan los actores. Le encanta la historia del cine. Estar en Francia haciendo algo que se sintiera inspirado por Eric Rohmer lo emocionó».

La película se rodó íntegramente en Deauville, la elegante ciudad costera de Normandía. Adams describió la atmósfera como “un campamento de verano”, sin egos y con un espíritu de colaboración durante los seis días de rodaje. Como el rodaje tuvo lugar a finales del verano, la ciudad estaba inusualmente tranquila. «Casi parecía el terreno de un estudio. La plaza del pueblo parecía un decorado. Era mágico», recuerda.

A continuación, Adams podría estar buscando un desafío aún mayor: persuadir a Martin Scorsese para que se ponga frente a su cámara. «Es hora de que los directores que realmente quieren ser actores vengan e improvisen. Truffaut fue un gran actor. Muchos de ellos son actores frustrados», dice.

Háblame del punto de partida, la génesis de “Only What We Carry”. ¿Cómo surgió?

Esa es una buena pregunta. He tenido esta historia delineada durante muchos años. De vez en cuando, cuando llega el momento de pensar en un nuevo proyecto, voy a mi cajón lleno de ideas y veo cuál me resuena. Para este, he estado pensando mucho en tener ahora 40 años. Cuando tienes 20 años en la escuela de cine, estudias a todos estos grandes artistas. Se le anima a admirarlos, a adorarlos. Pero a medida que pasa el tiempo, todo el mundo empieza a reevaluar quiénes son estos artistas y qué les hemos permitido ser. Muchos de ellos son complicados. Ya sea Woody Allen, Picasso… o Stanley Kubrick en “El resplandor” y cómo trató a Shelley Duvall, o incluso historias sobre cómo a Jack Nicholson le dijeron que solo podía comer sándwiches de queso en el almuerzo, cuando tienes 20 años, te ríes de eso. Es parte de la mitología. Ahora soy padre de tres hijos (19, 20 y 14 años) y tengo dos hijas. Hemos tenido muchas discusiones sobre lo que significa ser artista y mirar a estas personas con nuevos ojos. He querido explorar eso. Con James McAvoy, exploramos algo similar de una manera más oscura en una película anterior (“Pose”). Pero esta vez quería abordarlo más con mi voz: comedia con drama. No comedia como chistes, sino una forma más humana de ver algo. Ahí es donde empezó.

¿Cómo llegó Simon Pegg a bordo?

Acababa de trabajar con Martin Freeman y él mencionó que Simon, que es amigo suyo, estaba fascinado con el proceso y que se involucraría si me acercara a él. Entonces hice lo que siempre hago. Me comuniqué a través de su agente y le envié lo que normalmente envío: un esquema de unas ocho páginas y una carta explicando por qué pensé que sería genial para el personaje de Julian Johns. Luego tenemos una conversación para ver si nos alineamos en términos de perspectiva. Después de eso, hacemos conversaciones con los personajes. En realidad, están dirigidos por el actor. Hago preguntas, ellos responden y todo lo que dicen se convierte en verdad. No hay tarea. Es sólo una conversación. Y lo que salga en ese momento es lo que usamos.

¿Entonces ya tenías la idea cuando empezaste a hablar con él?

No diría que hay ninguna precisión en ello. Pero sí, tenía el esquema: unas ocho páginas de historia. Aquí es donde creo que puede llegar. De hecho, Quentin dijo que estaba fascinado por la forma en que escribo estos esquemas porque no hay un final fijo. Los actores tienen margen de maniobra. Pueden ver la narrativa general, pero también pueden ver la libertad. Me dijo que intentó escribir uno él mismo durante su tiempo de inactividad y dijo que no le parecía bien. Dije que eso se debe a que es uno de los mejores narradores de todos los tiempos; naturalmente, quiere un principio, un desarrollo y un final.

¿Cómo te acercaste a Quentin Tarantino?

Muy parecido a todos los demás. Supongo que estaba ofreciendo algo que a él nunca le ofrecieron. Entonces surgió la idea de hacer un largometraje por semana, la idea de que realmente todo se improvisa a partir de lo que yo llamo un guión, que es como un esquema de 30 páginas escena por escena sin ningún diálogo.

En ese momento, Simon ya estaba a bordo, Sofia Boutella se había apuntado y Charlotte Gainsbourg había entrado. Noté que Quentin estaba haciendo muchas entrevistas en Sundance y Cannes. [in 2024] y que había dejado de lado un proyecto cinematográfico (“Las aventuras de Cliff Booth”). Se sentía como si estuviera en un momento de contemplación. También supe que su primer amor fue la actuación. Cuando era más joven, era de conocimiento común que quería actuar; habla por primera vez en “Reservoir Dogs”. Entonces apelé a ese lado de él.

Le envié el resumen de la historia y una carta. Fui muy honesto al creer en él como actor. La improvisación, como yo la uso, se trata de estar presente y reaccionar orgánicamente. Es uno de los mejores narradores conversacionales. Pensé que ese sería un personaje increíble. No pensé que recibiría respuesta. Pero dos semanas después, un domingo, su agente le envió un correo electrónico diciendo que Quentin estaba intrigado y quería un Zoom.
Ese día tuve el peor dolor de muelas de mi vida. El dentista dijo que no pasaba nada, que era psicosomático. Estaba aterrorizado. Estaba en el jardín masajeándome la mejilla porque tenía mucho dolor.

Luego me subí a Zoom. Y una vez que escuchas su voz, te transportas. Es como Disneylandia para los cineastas. La conversación fue por todas partes, desde películas hasta una comedia galesa llamada “Gavin & Stacey”, pasando por cómo era su vida y cómo era mi vida. En un momento intentó hablar sobre el personaje y dijo: «He escrito bastantes preguntas aquí sobre el personaje», y dije: «No, este no es el momento para eso. Esa es la siguiente conversación». Tan pronto como bajé, pensé: «¿Por qué dije eso?» Y más tarde me dijo que le encantó ese momento de esa primera conversación porque dijo: «Bueno, me van a dirigir». Dos días después ya estaba a bordo.

¿Cómo fueron las conversaciones de los personajes con Tarantino?

Intentamos tener al menos tres conversaciones entre personajes. Se trataba de textura más que de línea de tiempo. ¿Cómo era la cocina de su infancia? ¿Qué comida sacan de la nevera? ¿Cómo se ve su casa desde fuera? En un momento decidió que su personaje debería tener una muñeca rota. Apareció en el set con un yeso. Para él, era simbólico: llevar peso físicamente. Al final, ya no lo necesita. No lo explicó demasiado. Simplemente sabía que era necesario.

Rodaste la película en seis días. ¿Cómo funciona ese proceso?

Sí, rodamos en seis días con una sola cámara. Sabemos lo que queremos rodar cada día, pero si una escena se vuelve más importante, nos quedamos con ella. Si no nos está dando lo que esperábamos, seguimos adelante. Todo es una oportunidad. Realmente no hacemos tomas tradicionales: las llamamos pases. Generalmente cuatro o cinco por escena. Durante un pase, podríamos comenzar con dos planos y pasar a un primer plano. Los actores no saben cuándo es su primer plano. Sólo tienen que permanecer presentes. Es democrático. Todo el mundo está siempre escuchando.

¿Cómo era el ambiente en el set?

Era como un campamento de verano. Sin egos. Ningún trato especial. Todos desayunaron juntos. No hubo remolques especiales. Todos íbamos en la misma dirección. Rodamos en Deauville a finales del verano, así que estaba tranquilo. Casi parecía el rodaje de un estudio. La plaza del pueblo parecía un decorado. Se sintió mágico. Todo el mundo nos apoyó, sobre todo teniendo en cuenta el poco dinero que tenemos para hacer estas películas.

¿Tarantino te dejó dirigirlo?

Me encanta esa pregunta. La verdadera pregunta es si me permití dirigirlo. Entró porque sabía que lo dirigirían. En el caso de las películas improvisadas, la dirección se trata más de una conversación continua sobre los personajes y la historia que de una microgestión de la actuación. Es temático. Él fue maravilloso. Curioso. Colaborativo. Le encantan los actores. Le encanta la historia del cine. Estar en Francia haciendo algo que se sintiera inspirado por Rohmer lo emocionó.

¿Cómo lo calificarías como actor?

Es un actor excepcional. Naturalmente dotado. Estoy orgulloso de que la película le dé la oportunidad de demostrarlo.

¿Crees que este podría ser el comienzo de un nuevo capítulo actoral para él?

Absolutamente. Quizás la escritura y la dirección fueron sólo el comienzo.

Estás editando ahora. ¿Cuánto metraje tienes?

Aproximadamente 36 horas. Teníamos unas seis horas de acometidas cada día. La edición es como la realización de un documental. Estás escribiendo el guión otra vez. Podrías darle las películas a cinco cineastas y recuperar cinco películas diferentes. Ahí es donde llega mi voz. La película final probablemente durará entre 85 y 90 minutos.

¿A quién te gustaría que fuera el próximo? ¿Timothée Chalamet?

Creo que tal vez Martin Scorsese. Es hora de que los directores que realmente quieren ser actores vengan e improvisen. Truffaut fue un gran actor. Muchos de ellos son actores frustrados. Me encanta que algunos de ellos lo intentaron. Me encantaría hacerlo yo mismo en algún momento. Sólo necesito ser menos tímido al respecto. Nos encanta crear escenas. Nos encanta ser parte del momento donde ocurre la alquimia entre las personas. Parece importante situarnos como cineastas en el centro de esto. Naturalmente, no sé quién será el próximo. Siempre me sorprende saber hacia quién me inclino. Ya veremos.