La cuestión de la salud mental en la industria de la música y el papel que pueden desempeñar los sellos discográficos, los directivos y otras empresas para ayudar a mantener saludables a los artistas ha sido un tema de controversia durante muchos años. Esta publicación invitada aboga firmemente por un papel más involucrado y evolucionado para la industria.
La Dra. Aprilia West PsyD, MT, PCC es psicóloga clínica autorizada, coach ejecutiva, formadora y autora y veterana de la industria musical con práctica privada en Los Ángeles. Tiene más de 20 años de experiencia especializada trabajando con artistas, creativos, equipos y líderes que abarcan la industria del entretenimiento, la tecnología, empresas Fortune 500, miembros del Congreso de EE. UU. y campañas de promoción.
David Andreone, MA, AMFT, es fundador de ArtistServices Therapy en Culver City. Aporta más de 20 años de experiencia en la industria del entretenimiento, donde ocupó puestos ejecutivos de A&R en Warner Chappell Music y Sony Music Entertainment, y cocreó la serie de televisión Rough Draft con Reza Aslan.
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La industria del entretenimiento ha lidiado durante mucho tiempo con las presiones únicas que se ejercen sobre los artistas relacionadas con el bienestar y la salud mental. Y mientras Hollywood ha aumentado gradualmente su apoyo a los actores, el apoyo de la industria musical a los talentos está peligrosamente rezagado.
A diferencia del cine y la televisión, donde las regulaciones sindicales, los tutores en el set y los límites obligatorios de horas de trabajo brindan cierta protección a los menores, el mundo de la música opera con muchas menos barreras de seguridad. En la industria de la música, los menores y los artistas mayores de 18 años se encuentran navegando por carreras en gran medida desprovistas de los recursos que otros sectores del entretenimiento consideran esenciales. Esta falta de andamiaje no sólo amenaza el bienestar, el desempeño y la capacidad de los artistas para cumplir con sus obligaciones contractuales, sino que también amenaza las inversiones que realizan las empresas y las expone a preocupaciones de responsabilidad ética, financiera y legal.
El paisaje desprotegido: “Hundirse o nadar”
Las presiones cada vez más intensas que se ejercen sobre los artistas en el panorama actual son innegables. Tan pronto como comienzan, los artistas pueden verse envueltos en agendas de giras agotadoras, maratones de grabaciones nocturnas y a menudo sin supervisión, e intensos ciclos de promoción sin tener en cuenta sus necesidades de desarrollo o bienestar. La visibilidad de las redes sociales exige un compromiso y una vulnerabilidad constantes. Las plataformas de streaming requieren una creación continua de contenidos. Los tours se han vuelto más largos y exigentes a medida que se han convertido en las principales fuentes de ingresos. Mientras tanto, las recompensas financieras se han vuelto cada vez más inciertas, y la mayoría de los artistas ganan significativamente menos con la música grabada que las generaciones anteriores.
Los artistas y músicos en gira a menudo están sujetos a obligaciones contractuales que priorizan la producción sobre el bienestar, con poca infraestructura para respaldarlos a través de las inevitables presiones de la fama, el estrés financiero y las demandas creativas. Además, hay evidencia que sugiere que los creativos tienen más probabilidades que la población general de experimentar una mayor vulnerabilidad a los trastornos del estado de ánimo, la ansiedad y la depresión. Al mismo tiempo, abundantes investigaciones muestran que la intervención basada en evidencia puede mejorar significativamente los resultados de las personas que luchan con problemas de salud mental. Esto plantea la pregunta: ¿por qué los sellos discográficos y las compañías de gestión no hacen que este soporte sea obligatorio para sus clientes?
Por el contrario, la industria del cine y la televisión ha desarrollado protecciones más sólidas para los niños artistas, incluidos tutores obligatorios, horarios de trabajo restringidos, cuentas fiduciarias protegidas y apoyo social en el set centrado en la educación, la seguridad y el bienestar emocional. Algunas producciones han ampliado aún más estas protecciones al incorporar apoyo a la salud mental directamente en el proceso de producción. La película “Madre María«, protagonizada por Anne Hathaway y Michaela Coel, empleó a un «coordinador de salud mental» en el set para apoyar a los artistas durante escenas emocionalmente exigentes. Del mismo modo, muchas producciones de telerrealidad ofrecen cada vez más a los concursantes y miembros del elenco acceso a servicios de asesoramiento a pedido y capacitación en habilidades de regulación de emociones. Estos desarrollos reflejan un reconocimiento creciente de que las presiones en el desempeño requieren salvaguardias intencionales de salud mental.
La industria de la música ha tardado más en evolucionar. Si bien ha habido cierto movimiento en los últimos años para aumentar el acceso al apoyo, a través de iniciativas como MusiCares, la organización benéfica asociada de la Academia de la Grabación, nuevas asociaciones de salud mental y bienestar en Universal y Warner Music Groups y el programa interno de Sony, Artists Forward, la atención no se ha incorporado suficientemente en los contratos. Con demasiada frecuencia se espera que los artistas naveguen por este panorama sin el apoyo adecuado. Muchos carecen de habilidades comerciales y de vida básicas para administrar las finanzas, comprender contratos, administrar el tiempo y la energía o mantener relaciones saludables bajo la presión de las exigencias profesionales, todo lo cual amenaza su salud mental e impacta su capacidad de desempeño.
La brecha de apoyo crea con demasiada frecuencia una mentalidad de “nadar o hundirse”, enmarcando las luchas ordinarias como defectos de carácter en lugar de respuestas predecibles a circunstancias extraordinarias y prevenibles. Es comprensible que los artistas que carecen de sistemas de apoyo adecuados tengan más probabilidades de tomar malas decisiones, adoptar comportamientos autodestructivos o simplemente agotarse.
El caso empresarial para el cambio
La falta de apoyo significativo a la salud mental y el bienestar de la industria de la música no es solo una cuestión ética: es un riesgo comercial, legal y financiero importante. Cuando los artistas luchan contra el agotamiento, el abuso de sustancias, los problemas de salud mental o la falta de habilidades básicas para la vida y los negocios, su capacidad para crear, actuar, realizar giras y mantener carreras a largo plazo se ve comprometida. El resultado es una disminución de la producción creativa, perturbaciones en los flujos de ingresos, carreras más cortas y pérdidas financieras sustanciales para todos los involucrados.
La industria está llena de advertencias sobre talentos prometedores descarrilados por crisis evitables. Sin embargo, este sufrimiento (y el riesgo que crea para las empresas) no es inevitable. Las investigaciones muestran consistentemente que las personas con mayores niveles de bienestar tienden a desempeñarse de manera más efectiva, adaptarse mejor bajo presión y mantener el éxito a lo largo del tiempo. Por lo tanto, apoyar el bienestar de los artistas no está separado del éxito empresarial; está directamente ligado a él.
De acuerdo con los estándares en evolución en otras industrias de alto rendimiento, los sellos discográficos y las compañías de gestión tienen la oportunidad de invertir en sistemas proactivos de apoyo que fortalezcan tanto la salud de los artistas como los resultados organizacionales. Proporcionar acceso a recursos dirigidos a áreas predecibles de vulnerabilidad no sólo es compasivo, sino también práctico, estratégico y financieramente sólido.
Desde una perspectiva puramente comercial, las empresas que no apoyan el bienestar de los artistas están, en última instancia, socavando sus propias inversiones. Un artista que experimenta agotamiento severo, adicción o crisis psicológica puede volverse incapaz de cumplir con sus obligaciones contractuales, realizar giras de manera efectiva o mantener la consistencia creativa que impulsa la rentabilidad a largo plazo.
Las implicaciones legales también son cada vez más difíciles de ignorar. A medida que continúa creciendo la conciencia sobre la salud mental y el deber de cuidado, las empresas que exponen deliberadamente a los artistas a condiciones nocivas sin el apoyo adecuado pueden enfrentar una responsabilidad cada vez mayor. La industria del entretenimiento en general ya ha visto demandas de alto perfil relacionadas con faltas de atención y entornos laborales inseguros, y el enfoque históricamente de laissez-faire de la industria de la música deja a los sellos y compañías de gestión cada vez más vulnerables a desafíos similares.
Una solución que beneficia a todos
La industria de la música debería considerar llenar este vacío de larga data contratando profesionales para diseñar programas integrales, basados en evidencia, personalizados para cada artista en función de sus necesidades y vulnerabilidades específicas. Las herramientas de evaluación basadas en evidencia y validadas empíricamente permiten identificar factores de riesgo, niveles de resiliencia y deterioro funcional en dos fases: 1) evaluación psicológica, retroalimentación y un plan de bienestar personalizado, seguido de 2) asesoramiento personalizado en salud mental, apoyo estilo conserje y derivaciones a especialistas según sea necesario.
Al garantizar que los artistas reciban las herramientas y el apoyo necesarios para diseñar carreras vibrantes y sostenibles, naturalmente se convertirán en artistas más confiables, creativos y resilientes. A su vez, los sellos discográficos y las empresas de gestión obtienen artistas mejor equipados para manejar la presión, menos propensos a involucrarse en comportamientos destructivos y más capaces de mantener la productividad a largo plazo. El riesgo reducido de crisis de salud mental, problemas legales e implosiones profesionales representa un ahorro de costos significativo en comparación con las pérdidas potenciales por agotamiento o colapso de los artistas.
El camino a seguir
La industria de la música se encuentra en una encrucijada. La adopción gradual de mejores prácticas por parte de la industria del entretenimiento en general demuestra que el cambio es posible. No puede seguir funcionando bajo la suposición obsoleta de que el bienestar de los artistas es un lujo y no una necesidad. En cambio, puede evolucionar reconociendo que sus mayores activos no son sólo voces talentosas, letras pegadizas y melodías escuchadas: son seres humanos que necesitan y merecen apoyo, protección y las herramientas para prosperar. En una industria donde el éxito suele tener un coste personal tremendo, invertir en el bienestar de los artistas no es sólo ético: es un buen negocio.
