Si «Rag-time” se presenta en producciones gigantescas (como en su estreno en 1998) o modesto (el resurgimiento de 2009), el musical, adaptado de la caleidoscópica novela de EL Doctorow de 1975, resuena con la franqueza, la pasión y el peso alegórico de una epopeya popular estadounidense.
Lear de Bessonet abre su mandato como directora artística del Lincoln Center Theatre con una versión ampliada y excepcional del concierto más producción que presentó en el Centro de la ciudad de Nueva York durante las semanas previas a las elecciones presidenciales del otoño pasado. Es una elección acertada dada la acogida positiva que tuvo, el alcance panorámico de la muestra y los temas siempre vitales de la obra.
Es una experiencia emocionante, aunque en el vasto escenario del Teatro Vivian Beaumont este espectáculo musical parece un poco escaso. No es que el musical necesite decorados opulentos, pero sí requiere una escenografía impresionante que esté a la altura del asombro de sus aspiraciones. Aquí se logra sólo de forma intermitente.
El escritor Terrence McNally adaptó ingeniosamente la densa novela histórica de Doctorow que, desde el principio, parecía destinada a ser un musical. (Su título por sí solo haría que los derechos teatrales funcionaran). Pero debido a la multitud de personajes e historias del libro, no fue una tarea fácil. (El versión cinematográfica de 1981 fue menos que un triunfo comercial.)
Aprovechando la narración fría y elegante y la atrevida presunción de Doctorow, McNally simplificó el libro lleno de eventos hasta convertirlo en una creación clara, cohesiva y dinámica para el escenario.
La música une las historias interconectadas de esta saga y expande sus pasiones, con una suntuosa partitura del compositor Stephen Flaherty y la letrista Lynn Ahrens que aprovecha una amplia gama de estilos, modismos y amalgamas estadounidenses, incluso cuando el segundo acto se vuelve más disonante. También merecen una mención especial las exuberantes orquestaciones de William David B. John y el magnífico trabajo coral del espectáculo.
La fluida puesta en escena del director deBessonet sigue a tres grupos dispares: una familia blanca de clase media alta, una pareja afroamericana y un viudo judío recién emigrado y su pequeña hija. Todos ellos enfrentan cambios sísmicos en sus vidas a principios del siglo pasado. También hay cambios dramáticos en Estados Unidos, a medida que “Ragtime” aborda temas importantes como el racismo, la inmigración, la clase, la industrialización, el surgimiento de los sindicatos y los mundos cambiantes para las mujeres y la cultura popular.
Es una carga pesada que equilibrar, además de una gran cantidad de símbolos y metáforas. Pero los actores principales logran completar las líneas generales de sus personajes arquetípicos (la mayoría con apodos genéricos) con delicadeza mientras se adaptan, se abrazan, se rebelan o son derrotados por el caos de unos tiempos que avanzan rápidamente.
Desde su posición suburbana, el imperioso Padre (Colin Donnell) no logra escuchar ni comprender la música del cambio, especialmente los nuevos sonidos sincopados del ragtime que tropiezan con la inevitabilidad del ritmo, creando un nuevo tempo para los tiempos.
Sin embargo, Madre (Cassie Levy, espléndida) aprecia esta nueva música que acompaña su arco narrativo transformador. Ella pasa de ser una obediente esposa y madre del siglo XIX (cantando el pintoresco “Goodbye, My Love”) a una mujer del siglo XX que finalmente encuentra el poder de su propio albedrío (un rotundo “Back to Before”).
Su hermano menor (Ben Levi Ross, divertido, triste y fascinante) también anhela algo más que un consuelo privilegiado y encuentra su propósito e inspiración en la activista Emma Goldman (Shaina Taub, que aporta calidez a la agitación). El pequeño niño de su madre (Nick Barrington, con humor y serenidad) es un observador curioso de los cambios que se producen a su alrededor. También es clarividente (prevé el acontecimiento desencadenante de una guerra mundial), lo que le da a la obra un toque de profecía que se integra mejor en la novela.
La segunda historia sigue el viaje de Tateh (Brandon Uranowitz), el inmigrante letón y su pequeña niña (Tabitha Lawing), desde las viviendas de Nueva York hasta la explotación industrial en una ciudad industrial y su reinvención como cineasta populista en una industria naciente. Uranowitz es a la vez tierno y duro tanto en sus luchas como en su triunfo, coronado con una crónica del ascenso de su personaje en una deslumbrante «Buffalo Nickel Photoplay Inc».
El principal propulsor de estas historias entrelazadas es la narrativa de Coalhouse Walker Jr. (Josué Henrysimplemente magnífico), un músico exitoso y carismático, y Sarah (Nichelle Lewis), a quien amó, perdió y con quien se reencuentra, sólo para que la tragedia caiga sobre ambos. Lewis marca con delicadeza los desafiantes cambios emocionales del personaje, desde la locura hasta la recuperación, la esperanza y la desesperación. Pero es la imponente presencia de Henry, sus ricas emociones y su poderosa voz lo que ancla el espectáculo y hace que la producción se dispare.
Aunque la partitura tiene muchos himnos y la seriedad siempre flota, hay momentos en el programa que son trascendentes. El número de apertura sigue siendo sorprendente, ya que la coreógrafa Ellenore Scott encuentra nuevas formas de delinear a todos los personajes principales y secundarios e introduce las tensiones que se intensificarán aún más a lo largo del espectáculo.
En estos momentos especiales se incluyen Coalhouse cortejando a Sarah para que salga de su habitación con su encantadora “New Music”; su dúo de amor, “Wheels of a Dream”; las búsquedas contrastantes de Father y Tateh en “Journey On”; La pasión del hermano menor en “La noche que Goldman habló en Union Square” y, con Goldman cantando lo que el joven no puede articular, “Él quería decir”; y Allison Blackwell como la amiga de Sarah, desgarrando el cierre del primer acto “Hasta que lleguemos a ese día” con ingeniosa medida.
Los creadores del programa también saben que también se necesita ligereza y le dan al público un respiro ocasional, mientras mantienen notablemente los temas en juego, aprovechando el atractivo de personajes secundarios como el escapista Houdini (Rodd Cyrus), Evelyn Nesbitt (Anna Grace Barlow, una delicia como quizás la primera celebridad sin sentido de Estados Unidos); y un grupo grosero de hermanos amantes del béisbol.
En producciones grandes o pequeñas (o, aquí, imperfectamente intermedias, aunque aún gloriosas), todo está al servicio del espectáculo que crea con palabras, música y movimiento un gran tapiz estadounidense, con lágrimas y todo.
