Coreógrafo Lorin Latarro no es ajeno al musical”Ajedrez.” Además de escuchar al elenco grabar repetidamente cuando era niña de teatro, trabajó en el resurgimiento de 2019 en el Kennedy Center.
Esta vez, regresó a Broadway y seleccionó los movimientos para la reposición con Lea Michele, Aaron Tveit y Nicholas Christopher.
El espectáculo se desarrolla en medio de la Guerra Fría y sigue a Freddie Trumper (Tveit) y al campeón de ajedrez soviético, Anatoly Sergievsky (Christopher). Atrapada en medio de la competencia y estos dos hombres está Florence Vassy de Michele. Está saliendo con Freddie, pero se enamora de Anatoly.
El director Michael Mayer y Latarro se remontan a sus días como coreógrafa asociada en “American Idiot”. Esta vez, Danny Strong actualiza el libro y Latarro reinventa los movimientos musicales. Aquí ella habla con Variedad sobre algunas de las ideas de trabajar con el conjunto, la coreografía de “One Night in Bangkok” y su paso a la dirección.
En el espectáculo, el conjunto permanece en gran medida en el escenario. ¿Puedes hablar sobre algunas de las ideas detrás de esto?
Algunas ideas muy claras desde el principio fueron que el conjunto enmarca la acción y que cambian de forma. Pueden convertirse en la acción, comentar sobre la acción o pueden empujar el espacio para poner algo de tensión en la acción. Durante las canciones en las que no cantan, siguen activos. Cada actor del conjunto vive el espectáculo de una manera específica. Todo eso ha sido seleccionado específicamente.
Me gustó la idea del conjunto con trajes grises rígidos. ¿De dónde vino eso?
Tom Broecker hizo el vestuario. Busqué en Google las fotografías de John Longo, y son fotografías de hombres trajeados en posiciones locas y fuera de lugar, así que las publiqué en la sala, y eso se convirtió en parte del ímpetu del espectáculo.
Michael y yo habíamos estado en Rusia hace años. Vimos arte constructivista, y es heterosexual, rojo, negro, blanco y musculoso. Por eso me interesaba crear estas imágenes que fluctuaran entre estas líneas angulares constructivistas.
Cuando lo hicimos en el Kennedy Center en 2019, lo abordé de otra manera. Nos convertimos en el tablero de ajedrez y hubo un baile más literal. A medida que crecí, me interesé más en las partes expresionistas y luego comencé a bailar las canciones “One Night in Bangkok” y “The Arbiter”. Realmente seleccionamos cuándo bailamos y cómo bailamos.
Mencionaste «Una noche en Bangkok». En él, Aaron está en ropa interior y se pone la ropa. ¿Qué se hizo para armar eso?
La música y la historia son los reyes. La historia es que está en Bangkok. Si alguna vez has ido a Soi Cowboy en Bangkok, el sexo es la moneda de cambio. En la vida real existe la sensación de que los hombres miran a las mujeres. Eso es parte de la realidad de lo que sucede en esas calles. Quería que las mujeres se sintieran sexys y empoderadas, y ellas participaron mucho en el baile. Pensamos que seríamos un poco descarados al respecto y comenzaríamos con todos vestidos y entrarían en varios estados de desnudez, lo que hace dos cosas. Se crea un conjunto que ahora desempeña el papel de Bangkok. También nos dio este momento divertido y atrevido en el que Aaron comienza a desvestirse y se viste al revés en el escenario. Entonces nos dio otra cosa que hacer dentro del número. Nos divertimos mucho descubriendo la mejor manera de literalmente ponerle los pantalones.
Cuando estás montando un espectáculo, las cosas se quedan en el suelo de la sala de montaje. Como coreógrafo, ¿cómo es cuando se abre el espectáculo y eso sucede?
Sucede en cada espectáculo. A medida que la historia cambia, la coreografía cambia porque la coreografía es historia. A medida que los escritores toman decisiones sobre cuál es una historia importante que contar, inevitablemente, debes mantenerte ágil.
En “Chess” había una pieza musical justo antes de la increíble “End Game” de Nicholas Christopher. Era esta pieza musical coral en el número original. El conjunto subió al escenario con velas e hizo una procesión. Es muy lento y hermoso. Se siente casi como si estuvieras en trance. Tuve la idea de crear un paso de trois, contando la historia del triángulo amoroso. Pero cuando vimos el espectáculo frente al público, fue en un momento musical del espectáculo que bajó justo cuando necesitábamos levantarnos. Entiendo estructuralmente por qué decidimos que había que recortarlo. Hay un dicho en el teatro que dice que tienes que matar a tus seres queridos. Nunca es divertido, pero es algo necesario.
¿Hay algún número que te encantó armar?
“Golden Bangkok” al final del segundo acto. Kevin Adams, nuestro diseñador de iluminación, y yo nos divertimos mucho porque trabajamos en los bailarines que salían de la luz. Se necesitaron seis horas de tiempo técnico para lograr la precisión de eso. Estoy orgulloso de ello porque fue un momento y no hay ninguna historia que contar. Así que intentamos hacerlo interesante de alguna manera, en colaboración con la iluminación. Es uno de los bailes más difíciles del espectáculo.
La pausa de baile en “The Arbiter” fue divertida porque nunca hubo una pausa de baile allí. Fue divertido ver bailar a Bryce Pinkham en ese momento.
“Murano” es otro momento que me encantó. Estaba ambientada en el norte de Italia. Queríamos ser modernistas. Entonces tomamos posiciones de poses altivas que eran solo del codo a la muñeca, y luego las juntamos en estas secuencias muy largas. Probablemente eso fue lo que llevó más tiempo enseñar; Aunque parece simple, fue un número difícil de enseñar todas esas posiciones porque en cada sílaba hay un cambio de forma y le enseña a la audiencia que no vamos a jugar al ajedrez a la antigua usanza. Lo haremos de una nueva manera.
A continuación, pasarás a la dirección. ¿Qué te hizo querer hacer eso?
Me encanta coreografiar y es como respirar para mí, pero dirigir es algo que me entusiasma mucho. Estoy haciendo “Begin Again”, una película de John Carne con música nueva de Train. También estoy trabajando con Emily Saliers (Indigo Girls) en un nuevo musical llamado “Starstruck”, basado en una versión lésbica de Cyrano. He tenido los mejores maestros. He trabajado junto a gigantes como Michael, Marianne Elliott y Jerry Zaks. Siento que tengo un conjunto de herramientas conmigo en la sala, y toda su guía y sus enseñanzas, y ahora es el momento de encontrar mi propia voz.
También me encanta que estés trabajando con estrellas de rock.
Sí, el lenguaje de las estrellas de rock.
¿Cuál es el lenguaje de las estrellas de rock?
He trabajado con Pet Townsend, Green Day y Benny y Björn de ABBA. Lo que me encanta de la forma en que trabajan esos artistas es que sus canciones son metafóricas. Lo que realmente hace bien la música rock and roll es que vive dentro de una metáfora, que es lo que la coreografía hace realmente bien. No estás siendo literal cuando estás coreografiando. Creo que estas dos cosas realmente funcionan bien. Una de las cosas con las que disfruto trabajar cuando trabajo con estos tipos es lograr que se mantengan metafóricos y, al mismo tiempo, impulsar la historia.
Esta entrevista ha sido editada y condensada.
