Una máxima del compositor italiano Ennio Morricone – “La música debe poder decir lo que las palabras no pueden” – fue una tesis de trabajo en cámara de azúcarEl festival inaugural SLAM – Sounds Like a Movie se celebrará este mes en Milán.
El nuevo festival internacional, una colaboración entre CAM Sugar y Triennale Milano, incluyó más de 30 eventos en las galerías y espacios de actuación del museo de diseño del 14 al 16 de noviembre, atrayendo a alrededor de 100 artistas para proyecciones, charlas, sesiones de escucha, conciertos en vivo y sesiones de DJ. Los organizadores ya se han comprometido a una segunda edición en 2026.
Para CAM Sugar, que celebra el 65.º aniversario de su catálogo este año, SLAM sirvió como una manera de hacer alarde de su vasta biblioteca de más de 2.500 bandas sonoras de películas italianas y francesas, desde “La Dolce Vita” y “8½” hasta “Il Postino”. “La búsqueda principal en mi trabajo es dejar que el archivo hable por sí solo”, dice Andrea Fabrizi, líder global de archivo y restauración de CAM Sugar, quien fue curadora de varias de las sesiones de escucha más populares del fin de semana. Su programación se basó en un tríptico de sesiones de escucha, sesiones de DJ y charlas, un formato que, según él, permite al público “tener una visión completa de ese momento histórico específico a través de la música” mientras escucha cómo todavía vibra en el presente.
Los archivos de Cam Sugar continúan impulsando nuevos trabajos de cineastas como Quentin Tarantino, Martin Scorsese y Wes Anderson, y siendo muestreados por artistas que van desde Drake hasta Tyler, the Creator.
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Fabrizi describe el archivo como una especie de “sala de lectura incluso antes de que la habitación exista”, donde ciertas señales están diseñadas para dispararse directamente al cuerpo – “carga cinética, ritmo, la forma en que se rompe el arreglo” – mientras que otras son psicológicas, diseñadas para “un espacio tranquilo” y una escucha atenta. Esa división, dice, dicta si una pieza pertenece a una pista de baile, a una sesión de escucha concentrada o, idealmente, a ambas cosas. A veces la magia está en el contraste: dejar caer algo frágil “en medio de un ritmo y ver a la gente creer en ello”.
Señala la partitura de Piero Piccioni para “Il Caso Mattei”, que se proyectó durante el fin de semana, como el tipo de corte profundo que el archivo está construido para sacar a la luz. La música, sostiene, reescribió silenciosamente las reglas de la composición cinematográfica de principios de los años 70: una mezcla de intuición de jazz, tensión política y minimalismo casi espiritual cuyos ritmos los productores de hoy llamarían experimentales.
La primera edición de SLAM se apoyó en gran medida en el legado de Morricone, incluida una vista previa exclusiva de grabaciones inéditas de “Il Clan dei Siciliani” en una sesión de escucha dedicada, antes de su lanzamiento en diciembre en triple vinilo y doble CD. El programa también incluyó un concierto tributo del colaborador de toda la vida Enrico Pieranunzi y charlas que contextualizan la influencia del Maestro en el cine contemporáneo y la cultura del sampleo.
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En el lado francés del archivo, el director de A&R y restauración, Stéphane Lerouge, destacó la diversidad de los fondos de CAM Sugar, desde vanguardia experimental y pop hasta ritmos con influencias sudamericanas. Su proyecto apasionante este año es la resurrección de “La Scoumoune”, un thriller de culto con música de François de Roubaix. El equipo de Lerouge localizó y digitalizó los masters de estudio originales, lo que les permitió publicar, por primera vez, una versión definitiva extendida de la música, completa con las propias notas de De Roubaix sobre su proceso de sobregrabación.
Para Lerouge, ese trabajo de recuperación subraya la universalidad de la música de cine. Recuerda que Morricone le dijo que nunca se molestó en aprender idiomas extranjeros porque “el lenguaje musical es universal”, un sentimiento confirmado por los seguidores de culto que estas partituras mantienen en Japón y Estados Unidos décadas después de sus lanzamientos iniciales.
Esa universalidad fue un tema recurrente en las principales conversaciones de SLAM con supervisores y compositores en activo. Mary Ramos, supervisora musical de toda la vida de Quentin Tarantino, cuenta Variedad su proceso a menudo comienza con lo que ella llama una “lista de reproducción de sí y”, un intercambio de colaboración con los directores para calibrar cómo debería sonar una película y, lo que es igualmente importante, cómo no debería sonar.
La larga colaboración de Ramos con Tarantino proporcionó algunas de las anécdotas más jugosas de SLAM, incluida la de persuadir al director de “Django Unchained” para que encargara nuevas canciones por primera vez. También recordó haber construido esa banda sonora en torno a los temas gemelos del amor y la venganza, haber entrenado a John Legend para que le enviara a Tarantino un casete y una carta escrita a mano y haber diseñado un raro híbrido de “The Payback” de James Brown con voces inéditas de Tupac, una señal que terminó generando el tiroteo más sangriento de la película.
Si el festival se inclinó fuertemente hacia lo analógico, no ignoró al elefante digital en la sala. Lerouge advirtió contra la excesiva dependencia de los directores de listas de reproducción temporales en la sección de edición, calificándolas de “una limitación en términos de imaginación” que puede obligar a los compositores a realizar trabajos de copiar y pegar. Su petición a los cineastas fue simple: confiar en los compositores, especialmente en los más jóvenes, de la misma manera que los productores italianos alguna vez confiaron en Morricone, Nino Rota y sus pares para inventar algo nuevo.
Mientras tanto, Nicolas Winding Refn, otro panelista, abogó por abrazar la tecnología mientras cuestionaba su economía. El director, que se describe a sí mismo como un “gran defensor” de la tecnología, ve la IA como una herramienta más en un ecosistema creativo donde los datos ya dan forma a gran parte del contenido principal. El peligro real, sugirió, reside menos en si la IA puede obtener una puntuación decente y más en la desigualdad que se produce cuando “la tecnología disminuye las manos humanas”, vaciando el ecosistema financiero que apoya a los artistas en activo.
Como dijo Lerouge, resumiendo el propósito del festival mientras se apagaban las luces: «Un compositor es un artista que reacciona al trabajo de otro artista, y ninguna máquina puede reemplazar esa chispa humana».
