Robert Hastiesubdirector artístico del Reino Unido Teatro Nacionalestá haciendo malabarismos con grandes producciones a ambos lados del Atlántico la próxima primavera, trasladando su producción de “Aldea» a la Academia de Música de Brooklyn de Nueva York mientras dirigía una nueva adaptación de » de Maxim Gorky «veranos”En Londres.
La transferencia de “Hamlet”, que se realizará del 19 de abril al 17 de mayo de 2026 en el Teatro Harvey de BAM, marca la producción inaugural de una nueva asociación de varios años entre el Teatro Nacional y BAM. La producción está protagonizada por el ganador del Premio Olivier, Hiran Abeysekera, en el papel principal.
«Llevábamos mucho tiempo queriendo establecer la primera de nuestras colaboraciones con BAM», dice Hastie Variedad. «Así que asegurarnos de que aterrizara bien iba a ser una prioridad».
La asociación representa un hito importante mientras el Teatro Nacional celebra 60 años de puesta en escena de producciones en los EE. UU. Además de la transferencia, BAM trabajará con las escuelas locales de Brooklyn para ofrecer su programa de Teatro (Re)Centering, y el público podrá explorar una exposición gratuita sobre “Hamlet” y su legado en la Rudin Family Gallery de BAM.
«Estamos muy emocionados de llevar la increíble interpretación de ‘Hamlet’ de Hiran Abeysekera a diferentes audiencias en una parte diferente del mundo», dice Hastie.
Mientras tanto, Hastie dirigirá la nueva adaptación de Nina Raine y Moses Raine de “Summerfolk” en el espacio del Teatro Olivier del Teatro Nacional de Londres, del 6 de marzo al 29 de abril de 2026. La producción examina a la élite rusa en 1905 mientras se retira al campo, ajena a la revolución que se avecina.
«Siempre me ha encantado la obra, pero también sentí que resulta bastante profética», explica Hastie. «Está escrito en 1905 sobre un grupo de personas muy acomodadas y cómodas, y aunque Gorky, cuando lo escribió, no podía saber que su forma de vida iba a desaparecer para siempre en poco más de 10 años, de alguna manera puedes sentirlo, como llamas alrededor del borde de una fotografía».
El director ve resonancias contemporáneas en los temas de la obra. «Hay algo en el aire de la vida actual que se siente: podemos sentir el aire de, ya sabes, no sabemos muy bien cuáles serán los cambios venideros, si serán tecnológicos o políticos o, ya sabes, acabamos de tener una pandemia, pero hay un aire de especie de fatalidad milenaria alrededor», dice.
Hastie describe la obra como «sobre un grupo de personas, algunas de las cuales pueden sentir que algo está en el horizonte que cambiará su forma de vida para siempre. Y hay que tomar una decisión sobre si enterrar la cabeza en la arena y seguir de fiesta, o si levantar la cabeza y mirar el futuro a la cara y hacer algo al respecto».
Si bien “Summerfolk” podría permanecer anclado en su ambientación rusa original de 1905 en lugar de actualizarse hasta el día de hoy, Hastie dice que ese enfoque tiene valor. «Hay algo realmente útil en observar a un grupo de personas comportándose en una época diferente, en un lugar diferente, enfrentando cambios y cambios similares», explica. «Eso ha sucedido periódicamente en diferentes momentos y lugares tal vez debería ofrecernos un poco de esperanza de que siempre habrá una salida si lo pensamos de la manera correcta».
La ambientación de época también permite a la producción evitar “atascarse demasiado al ubicarla en una linda cocina de vidrio y, de hecho, invertir realmente en las relaciones y los personajes”, agrega Hastie.
La adaptación de Raines aporta el ingenio británico contemporáneo al texto de Gorky. «Hay una chispa y un sentido del humor en los escritos de Nina y Moses que nos parecen muy contemporáneos», dice Hastie. “Lo que están encontrando en el mercado ruso [text] es que los personajes se encienden unos a otros, se molestan unos a otros, coquetean, se condenan unos a otros, se provocan unos a otros de maneras muy similares a la forma en que hablarían los grupos británicos contemporáneos”.
Compara el estilo con la obra de Armando Iannucci, particularmente “La muerte de Stalin”, donde los escenarios de época se combinan con una dinámica de personajes reconociblemente moderna. «Estás absolutamente arraigado en el período en el que se cuenta la historia, pero los personajes son completamente reconocibles, no sólo los personajes, sino también su sentido del humor, su ingenio, su estilo, la forma en que se hablan entre sí», dice Hastie.
Las producciones ejemplifican la identidad en evolución del Teatro Nacional bajo la dirección de los codirectores ejecutivos Indhu Rubasingham y Kate Varah. “Indhu me parece realmente inspirador y siempre lo he sido”, dice Hastie. «Es realmente emocionante ser parte del equipo que está ayudando a dar forma al próximo capítulo de la historia del Nacional».
Elogia el enfoque de Rubasingham en “innovar nueva escritura y traer nuevas voces” y su trabajo “actuando como un centro tanto para lo local como para lo global”.
“Eso apunta al tipo de Nacional que queremos ser, una organización verdaderamente nacional, que presente nuestras historias británicas en sus muchas, muchas formas diversas, en el South Bank, digitalmente en todo el país y que también salga y trabaje en todo el país para ser verdaderamente nacional”, explica Hastie. “Pero también ser un Teatro Nacional que represente lo mejor del teatro británico ante el mundo y, a cambio, de manera recíproca atraer a grandes artistas globales y quizás nuevas historias globales al público británico”.
El enfoque de Hastie se basa en su éxito con “Standing at the Sky’s Edge”, con música y letra de Richard Hawley y un libro de Chris Bush, que dirigió en Sheffield para una audiencia de Sheffield sobre un edificio de Sheffield antes de trasladarse al Teatro Nacional, el West End, y ganar un Premio Olivier.
«Hicimos ‘Standing at the Sky’s Edge’ en Sheffield para una audiencia de Sheffield, sobre el edificio más o menos al lado del teatro donde lo hicimos, no se podía ser más local», recuerda. «Al hacerlo con mucho orgullo para esa ciudad, logramos hacer algo que tuviera un atractivo universal. Llevarlo al Teatro Nacional, que parecía bastante arriesgado, demostró en realidad atraer al público, interactuar con el público de una manera que ninguno de nosotros había esperado».
Aplica un pensamiento similar a “Hamlet” en el Nacional. «No es una programación particularmente atrevida (se ha hecho varias veces en el pasado del National), pero esperamos que lo hagamos de una manera y con un elenco que presente una de las mejores obras del canon de habla inglesa, pero que también atraiga a audiencias que podrían ser nuevas en Shakespeare, que no tienen el peso de muchos National Hamlets en su experiencia y, por lo tanto, vienen al mundo que estamos creando sin ninguna idea preconcebida», dice. «Tenemos que contar la historia de la manera más clara y emocionante posible».
Sin embargo, Hastie expresa preocupación por el estado de la nueva escritura en el teatro británico. «Creo que hay una especie de crisis en la escritura nueva en todo el país», dice. “Después de haber trabajado durante ocho años en Sheffield, donde tuvimos la suerte de contar con un público que realmente se involucró en nuevas obras, sé de primera mano que hay un público que está entusiasmado con nuevas voces e historias, pero la economía y la cultura están haciendo que sea más difícil hacer llegar nuevos trabajos a ese público”.
El problema no es la falta de talento o interés. «No faltan grandes escritores y grandes artistas, y no faltan audiencias para todas esas historias, pero los modelos económicos que acercan nuevos trabajos a las audiencias están obsoletos, están bajo una presión increíble y son difíciles de financiar», explica Hastie.
Advierte sobre las consecuencias: “Lo que eso significa es que la rica variedad del teatro británico que siempre lo ha hecho tan vibrante, grandioso y líder mundial, no podemos arriesgarnos a que se reduzca a cantidades conocidas, lo que significa que nos estamos perdiendo nuevas voces emocionantes e historias no contadas”.
El Teatro Nacional mantiene un departamento de trabajo nuevo activo que trabaja con escritores tanto consagrados como emergentes. Ejemplos recientes incluyen la adaptación de Eurípides “Bacchae” del dramaturgo Nima Taleghani, que lanzó el mandato de Rubasingham. «Es un escritor muy superior a su edad, pero no había actuado en una obra en el National hasta este momento», señala Hastie.
El teatro también está ampliando su alcance a través de asociaciones y plataformas digitales. Una colaboración reciente con la Asociación de Teatro Educativo entrega la Colección Nacional de Teatro de forma gratuita a 5.000 escuelas de EE. UU. en los 50 estados. «Estamos llegando a 40.000 estudiantes de escuelas públicas de la ciudad de Nueva York, el 70% de los cuales están en desventaja económica», dice Hastie. «No se trata sólo de llevar el trabajo a nuevas audiencias, sino de llegar a diferentes tipos de audiencias».
Las asociaciones internacionales del National Theatre se extienden más allá del BAM e incluyen The Shed, otro importante centro artístico de Nueva York. “También nos apasiona difundir el trabajo digitalmente”, agrega Hastie, señalando las transmisiones de cine en vivo del National Theatre y la transmisión a través del National Theatre at Home.
La temporada de primavera de 2026 del Teatro Nacional también presenta varias producciones importantes. Marianne Elliott regresa al recinto después de nueve años para dirigir “Les Liaisons Dangereuses” en el Lyttelton Theatre (del 21 de marzo al 6 de junio). La producción de la adaptación de Christopher Hampton de la novela de Pierre Choderlos de Laclos está protagonizada por Monica Barbaro como Madame de Tourvel, Lesley Manville como Marquis de Merteuil y Aidan Turner como Vicomte de Valmont, con los miembros del reparto recientemente anunciados Sharif Afifi como Azolan, Nandi Bhebhe como Julie, Ali Goldsmith como Major-Domo y Darragh Hand. como Chevalier Danceny, Cat Simmons como Madame de Volanges, Hannah van der Westhuysen como Cécile Volanges y Gabrielle Drake como Madame de Rosemond.
Anthony Lau hace su debut en el Teatro Nacional con “Man and Boy” de Terence Rattigan en el Teatro Dorfman (del 30 de enero al 14 de marzo). Ambientada en la Nueva York de la década de 1930 durante la Gran Depresión, la producción está protagonizada por Ben Daniels como el financiero internacional Gregor Antonescu y Laurie Kynaston como su hijo del que está separado, Basil Anthony. El elenco también incluye a Phoebe Campbell como Carol Penn, Isabella Laughland como la condesa Antonescu, Malcolm Sinclair como Mark Herries y Leo Wan como David Beeston.
Miranda Cromwell dirige el estreno mundial del thriller psicológico gótico de Winsome Pinnock “The Authenticator” en Dorfman (del 26 de marzo al 9 de mayo), reuniendo al aclamado equipo detrás de “Rockets and Blue Lights”. La producción está protagonizada por Rakie Ayola como Abi, Sylvestra Le Touzel como Fen y Cherrelle Skeete como Marva.
