Durante cuatro décadas, Ira Sachs ha narrado la vida queer en Nueva York, arrojando luz sobre los artistas e iconoclastas cuyo trabajo le da a la ciudad un toque tan vibrante y transgresor.
“The Man I Love”, que Sachs describe como una de sus películas más personales, se suma al canon. Ambientada en la década de 1980, en el apogeo de la crisis del SIDA, sigue a Jimmy George, un artista del centro que está muriendo a causa del virus pero desesperado por asumir un último papel. Sachs, de 60 años, se basó en sus propias experiencias en el teatro y el cine de aquella época para dar forma a la historia.
“Me mudé a Nueva York en 1988 y la ciudad era oscura y al mismo tiempo llena de vida”, dice Sachs. «La gente sabía que ellos podían ser los siguientes; la muerte los rodeaba. Pero eso condujo a esta explosión de creatividad. Y esta película trata sobre lo que significa vivir una vida creativa y lo que significa trabajar, que es de lo que tratan la mayoría de mis películas».
“The Man I Love” se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de este año, donde la dirección de Sachs, así como la actuación central de Rami Malek como Jimmy, obtuvieron algunas de las críticas más sólidas de sus carreras. Sachs habló con Variedad durante la producción de “The Man I Love”, así como en vísperas de su estreno.
Cuando se anunció, “The Man I Love” fue descrito como una fantasía musical. ¿Es así como describe la película terminada?
Esa no es la película que hice.
¿Era esa la película que te propusiste hacer?
Hubo una escena de fantasía que no apareció en la película. Al final se convirtió en un drama con mucha música. Uno de los productores con los que trabajé dijo que nunca había visto una película transformada durante el proceso de realización como está. Eso no tiene ningún sentido para mí, porque todas mis películas se sienten así: todas están en proceso hasta que se completan, y por eso se definen a sí mismas. El primer corto que hice, “Lady”, era abstracto y alguien me preguntó cuando comencé: “¿Qué quieres que sea?” Y dije: «Sólo sé lo que es cuando lo veo completo. Se revela».
¿“The Man I Love” está extraído de tu propia vida?
Cuando comencé la película pensé que estaba haciendo una biografía, pero terminé haciendo una autobiografía. Es muy personal.
¿Quién es tu sustituto? ¿El personaje de Rami, Jimmy George, o los hombres que lo orbitan: Dennis (Tom Sturridge) o Vincent (Luther Ford)?
Bueno, todavía estoy vivo, así que no soy Jimmy. Podría decir Vicente. Hasta cierto punto, la película trata sobre la supervivencia. También se trata de memoria. Viene de un lugar que está muy fuera de mi experiencia, haber conocido personas, haber estado conectado con personas y haber estado enamorado de personas que tenían una enfermedad terrible. Tenía un novio que tenía SIDA y vivía en una época en la que el SIDA no sólo estaba presente, sino que creaba una atmósfera intensa de temor y posibilidad en Nueva York. Hice una película que es un testimonio de la creatividad como forma de supervivencia. El arte y la creación artística son vitales para la vida y la respiración. De esa manera, me conecto mucho con Jimmy.
¿De qué manera la Nueva York de los 80 fue una época de posibilidades? Miro el número de muertos por SIDA y me parece una época aterradora, casi apocalíptica, para ser un hombre gay.
Lo fue, pero también hubo mucha creatividad. Llegué a la ciudad siendo joven, así que todo estaba frente a mí. Nuestra intención era hacer una película que fuera testimonio del hecho de que uno vive hasta el final. Uno no muere activamente, sino que vive activamente; entonces, ¿qué es la vida? Cuando le describí esta película a alguien por primera vez, probablemente tenía poco más de 50 años y dije que se trata de qué haces con el tiempo que queda. Esta es una versión comprimida y dramática de ese ejercicio intelectual, además de específica, porque muestra los horrores de la epidemia del SIDA. Pero hubo tal florecimiento artístico que surgió del East Village en los años 70 y 80. Todavía sigo con los humos de esa época. Estoy muy agradecida de haber sido parte de esto.
¿La gente piensa lo suficiente en esa época? Se siente como si algunas partes de la comunidad gay lo hubieran guardado en la memoria, porque ahora existe Prep y el SIDA en este país no es una crisis de salud pública tan grande.
La amnesia histórica prevalece y no es específica de los homosexuales. Es como esa frase sobre la guerra: los ganadores son los que recuerdas. Las personas de las que se oye hablar que tienen SIDA suelen ser las que sobrevivieron. Desapareció mucha gente a la que conocía de forma íntima en ese momento. Cada vez somos menos los que podemos contar esa historia.
Una de mis partes favoritas de la película es cuando Jimmy regresa a su ciudad natal para la fiesta de aniversario de sus padres. Parece tan incómodo con su traje, como un pez fuera del agua. Es muy sorprendente porque básicamente se pavonea por la ciudad de Nueva York.
A menudo existe una gran división entre la persona en la que te conviertes y la persona que eras; la familia que creas para ti y la de la que vienes. A veces, si estás en una habitación llena de gente en la ciudad de Nueva York, tus contemporáneos, y te imaginas a la abuela de todos en su lado izquierdo, y te imaginas a todas esas abuelas alrededor de la mesa, qué extraña variedad de personas estaría allí. Ninguno de ellos tendría ninguna conexión entre sí. Cuando pienso en mis propios amigos, todos fuimos transformados por nuestra llegada a Nueva York. Nos moldeó.
¿Qué te hizo pensar en Rami Malek para interpretar a Jimmy?
De ‘Sr. Robot.» En esa serie, tenía este tipo de actuación muy natural y fácil en la que no podía ver el principio y el final de sus frases, y tenía curiosidad al respecto. También es una presencia única. Rami es una estrella y tiene algo magnético que le permite mantener la unidad en una película.
Jimmy realiza varios números musicales. ¿Cómo fue filmarlos?
He hecho películas con bastante música, pero nunca he conocido una película en la que el protagonista actúe a esa escala. Lo que me gusta de las escenas musicales es que se convierten en escenas de diálogo. Se convierten en conversaciones entre Rami y los demás actores, y entre Jimmy y su novio y su amante y su madre y su hermana y su sobrino. Se convirtieron en formas de lenguaje.
Rami Malek y Tom Sturridge son heterosexuales, pero desempeñan papeles homosexuales. ¿Tienes algún problema con que los actores heterosexuales interpreten papeles homosexuales?
No le pregunto a la gente con quién se han acostado y lo que he descubierto es que nunca se sabe.
“The Man I Love” es la segunda vez que presenta una película en Cannes. ¿Qué significa eso para ti?
Soy un estadounidense que ha visto, digerido y considerado principalmente el cine europeo como mis precursores, mis mentores y mis educadores. He estado muy comprometido con el lenguaje del cine europeo y su conexión con el naturalismo. El cine estadounidense ha estado tradicionalmente arraigado en la transformación teatral. Creo que mi enfoque para encontrar la verdad de algo consiste más en descubrir su esencia que en participar en una transformación.
¿Lees reseñas de tu trabajo?
Leo reseñas, pero las leo con menos atención a medida que envejezco.
Cuando los lees, ¿te fijas más en los positivos o en los negativos?
Las críticas positivas tienen el potencial de afectarte más profundamente. Las críticas negativas te molestan y te dan ganas de contraatacar. John Kander de Kander & Ebb es primo. Estaba abriendo un espectáculo y le envié un correo electrónico diciendo «rómpete una pierna». Tiene 35 años más que yo, lo que significa que ocupa un puesto de mentor y dijo: «el terror nunca te abandona». Me pareció muy reconfortante que el hombre que escribió “Cabaret” y “Chicago” y todas estas grandes obras todavía tenga miedo, porque yo todavía me asusto cuando empiezo algo nuevo.
Haces películas independientes muy personales que desafían una categorización fácil. ¿Le resulta difícil conseguir el dinero para producirlos?
Soy un estafador. Tomo el dinero en serio. No menosprecio el dinero. No espero mucho dinero, pero trabajo estrechamente con mis productores, quienes entienden lo que necesito y luego me dan el rango en el que eso será posible. Nunca bajaría de ese rango, pero tampoco gastaría por encima de él. Tenía que entender que Hollywood no me ofrecía casi nada. Tuve que trabajar en un sistema diferente. En 2012, trabajé brevemente en algunas cosas del estudio, pero rápidamente entendí que no era para mí y yo no era para ellos.
¿Qué no fue para ti acerca de Hollywood?
Mucha gente operaba de manera extraordinaria bajo el sistema de estudio, por lo que no es que no se puedan producir grandes trabajos en él. Pero si voy a hacer algo, no puede ser en un sistema corporativo. Además, los grandes estudios no hacen el tipo de películas que yo hago: dramas domésticos sin género que tratan sobre gente queer. Literalmente no hacen esas historias. Y mi trabajo es inherentemente político.
¿Cuáles fueron las películas de estudio en las que trabajaste?
Trabajé en una película biográfica sobre Montgomery Clift para HBO y trabajé en una adaptación de un libro llamado “Christodora” para Paramount.
¿Fue una experiencia valiosa?
No. Lo único que aprendí fue lo que no quería hacer.
¿De qué manera su trabajo es político?
Soy un hombre gay y principalmente hago películas sobre hombres homosexuales. Cada vez que hago una película, reviro la idea de lo que es interesante para la gente porque la cultura dominante dice que nuestras vidas no son interesantes. Eso es algo que me niego a aceptar.
En el Festival de Cine Americana del año pasado usted advirtió que “la oscuridad está recayendo en la expresión cultural” por la reelección de Donald Trump ¿Por qué?
Ya no tenemos libertad de expresión. Estoy abatido. Sería difícil mirar a este país y no sentirse impactado. Todo lo que considerábamos inmutable y precioso está desapareciendo. El cine bajo regímenes represivos se adapta de maneras que pueden resultar fascinantes. Mire la España durante Franco o el Irán bajo los mulás. Siguieron haciendo gran arte, pero lo hicieron apoyándose en la metáfora. Eso es algo que el cine queer ha intentado hacer a menudo. Pero debido a los tiempos que vivimos, parece una buena oportunidad de volver a relacionarme con los artistas que recuerdo del East Village, que siempre fueron valientes y tomaban riesgos. Pase lo que pase, su trabajo siempre se sintió profundamente personal y muy, muy libre.
